Récit de Fashion Week SS15

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Me voici de retour après un week-end chargé en défilés, en présentations et découvertes de nouveaux créateurs dans le monde la mode londonienne. Voici un petit aperçu des tendances mises en lumière à travers cette Fashion Week pour le prochain printemps-été, vue dans les yeux des nouveaux designers. Ceux-ci ont encore fait preuve de créativité avec une exploration de nouvelles matières et formes mais je vous avais déjà parlé de ces tendances lors de cet article et elles demeurent inchangées. J’ai cependant décidé de m’attarder sur deux grandes tendances et je parsèmerai l’article de photos de créations originales repérées lors de cette Fashion Week.

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Des couleurs pastels ou flashy

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Pour la prochaine saison estivale, les couleurs seront, bien entendu, de sortie. Ce qui m’a cependant frappé quand je parcourais le showroom des nouveaux designers, les couleurs des vêtements étaient soit pastels, soit flashy. L’été sera extravagant ou très doux et calme. Les couleurs pastels des vêtements racontaient réellement la douce température estivale londonienne (ou il  ne fait jamais très chaud) et les couleurs harmonieuses et claires des journées ensoleillées, beaucoup de vêtements reflétaient également la légèreté da la brise estivale. Cette tendance de couleurs était aussi mise en lumière à travers les accessoires mode comme les chaussures, les chapeaux ou les sacs qui exprimaient un été  joyeux et foufou aux couleurs de pays exotiques. Les couleurs flashy sont aussi de sortie pour contraster avec la douceur des pastels. Ces créations aux couleurs rieuses et gaies transportaient dans un autre monde, dans des pays lointain où été rime avec chaleur, soleil et fête colorée.

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Une mode éco-friendly

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Pour rebondir sur l’idée de voyage exprimée à travers les créations colorées, la mode éthique et écologique avait sa propre place à la Fashion Week de Londres. Cela fait du bien de voir que cette mode, toujours décriée parce que considérée comme moins sexy et féminine, a finalement ses jours de gloire et beauté ! Je vous avais déjà parlé du projet Ethical Fashion Initiative pour prouver que la mode éthique et écolo avait clairement sa place dans la haute-couture. J’ai d’ailleurs découvert Sewa, une initiative mode qui met en valeur le travail des femmes qui créent des vêtements à partir d’objets et de tissus recyclés. La mode écolo est très axée sur l’arrêt du gaspillage des matières et de l’argent en redistribuant les richesses équitablement en payant mieux les couturières, par exemple, ou en créant des collections “responsables”. Ainsi, j’ai découvert une créatrice française, Louise de Testa, qui a créé sa ligne sportwear chich en utilisant et recyclant des chutes de vêtements. La créatrice anglaise Katie Jones a créé une ligne de vêtements et accessoires aux couleurs pétillantes. Sa ligne knitwear de luxe est créée de façon artisanale et recycle également les chutes de tissus. Les bijoux de Fiona Paxton ont aussi attiré mon attention avec leur twist ethnique chic. Je vous reparlerai de tous ces projets dans les semaines à venir en détaillant leurs projets un par un, en attendant, restez-connectés pour suivre les résumés des défilés !

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Le style Fashion Week de Londres

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Cette semaine, vendredi exactement, c’est la Fashion Week de Londres qui démarre. Je vous ai déjà parlé à plusieurs reprises de cet évènement mode à Londres car j’ai la chance de pouvoir y participer chaque année. Apres avoir écrit plusieurs articles sur la Fashion Week et son atmosphère, je souhaitais, cette année, m’attarder sur mon point de vue sur les tenues des personnes allant aux défilés.

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La mode en fête

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Tout d’abord, revenons aux basics : la Fashion Week, qu’est-ce que c’est ? C’est LA semaine de la mode qui a lieu deux fois par an. Les collections d’automne-hiver sont présentées entre février et mars et celles d’été sont présentés entre septembre et octobre. La Fashion Week se déroule pendant 1 mois : elle commence à New-York, passe par Londres, puis par Milan et se termine enfin par Paris. Ces semaines sont l’occasion pour les designers et les fashion people de montrer leur nouvelle collection et se montrer, par la même occasion. Les créations sont présentées grâce à des défilés (les défilés classiques qu’on peut voir à la télévision) ou par le biais de présentation (qui coûtent beaucoup moins chères). Les présentations sont de mini-défilés qui ont lieu environ toutes les 15 minutes, les mannequins se transforment ensuite en statues afin que les personnes invitées au show ou les acheteurs puissent noter les détails et prendre des photos de plus près. Personnellement, je préfère les présentations car elles permettent réellement d’admirer le travail fait sur le vêtement, contrairement aux défilés ou tout le monde est entassé et où les lumières ne sont pas toujours idéales pour pouvoir prendre des photos de bonne qualité.

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Une histoire de style authentique

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Parlons un peu maintenant des fashion people, de leur style et de leur comportement qui font couler de l’encre. Quand je parle de Fashion people, j’entends  toutes les personnes qui ont l’habitude de fréquenter le milieu de la mode : stylistes, mannequins, créateurs, bloggeurs, photographes, acheteurs de grandes boutiques… Je pense sincèrement que les fashion people sont différents d’un pays à un autre et notamment lors des Fashion Week qui impliquent d’ores et déjà une ambiance superficielle et de show. Le port des talons n’est pas obligatoire à Londres et la plupart des personnalités de la mode arrivent d’ailleurs aux défilés en chaussures plates ou avec des petits talons. Tout comme pour la tenue, l’important est d’avoir une pièce de créateur, une pièce originale qui puisse faire la différence afin qu’une photographe vous repère. Les petites marques de nouveaux créateurs sont donc à privilégier, pour le style, l’originalité et le portefeuille ! En plus de leur faire une publicité habillée et personnalisée, porter une tenue originale permet de créer un contact car les gens ont plus tendance à vous demander d’où vient la pièce, où vous l’avez acheté… Un bon moyen de commencer une conversation mode sans préjugé sur qui est la personne et quelle place elle occupe dans la fashion hiérarchie. Concernant le style à adopter, donc, le vintage est aussi dans la tendance du moment. Les londoniens adorent mixer le genre nouveau créateur avec une pièce vintage. Celle-ci peut aussi servir de pièce originale (au lieu de celle d’un nouveau créateur) car elle est unique et permet de se démarquer clairement des autres styles. Concernant les pièces de créateurs, je vous conseille d’aller jeter un œil aux quartiers de Bricklane et Shoreditch ou de nombreuses boutiques de petits créateurs ont fleuri. Concernant le vintage, je vous conseille plutôt d’aller au Portobello Market comme nous l’explique très bien Ingrid dans cet article. Enfin, pour la note finale a la tenue, les chapeaux sont énormément portés (je vous avais d’ailleurs déjà parlé de cette tendance mode), tout comme les bijoux de tête.

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En attendant, les comptes-rendus de défilés et connaître les tendances pour l’été prochain, voici un petit plus d’informations concernant cet évènement mode à suivre de loin, ou de près pour les curieux ou les amoureux de la mode !

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Clarks rencontre Orla Kiely !

Je vous parle aujourd’hui d’une collaboration mode-chaussure dont je vous avais déjà parlé lors de cet article sur le défilé de la marque Orla Kiely lors de la Fashion Week de Londres. J’avais évoqué cette collaboration car j’avais beaucoup aimé les chaussures présentées lors de ce défilé et voici qu’elles peuvent enfin être achetées ! Je profite, donc, de l’occasion pour vous en dire plus sur cette collaboration mode…

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Une collaboration casual élégante

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Cette collaboration entre Orla Kiely et Clarks m’a fait agréablement redécouvrir la marque Clarks qui m’avait laissé des souvenirs enfantins à l’époque où j’en portais. Clarks fait donc preuve d’une superbe renaissance en mettant à jour une tout autre vision de se chausser : les chaussures confortables peuvent aussi être élégantes, tendances et originales ! Les clous de certaines chaussures rappellent la tendance punk à laquelle tienne tellement les Anglais : cette tendance punk rock’n’roll contraste d’ailleurs avec les tenues très enfantines et douces de la designer irlandaise Orla Kiely. Chaque anglaise aurait donc la punk rock’n’roll attitude ancrée en elle, malgré tout… J’adhère d’ailleurs tout à fait à cette idée après deux ans et demi de vie à Londres !  J’ai beaucoup apprécié l’aspect plus casual des chaussures Clarks qui différencie du côté très « petite fille chic » de la collection Orla Kiely.

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Une rencontre anglaise entre mode-chaussures

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Les deux marques anglaises se sont parfaitement trouvées pour créer une collection ravissante qui rappelle les années 60, leurs couleurs douces, leurs formes arrondies et leur côté enfantin et innocent. Les vêtements d’Orla Kiely se marient parfaitement avec les chaussures Clarks qui habillent les pieds pour terminer une silhouette très british. Les chaussures peuvent se porter avec des gros collants en hiver (comme les mocassins Orla Dora) ou sous un pantalon (comme les boots Orla Daphne par exemple). La designer irlandaise et Clarks ont parfaitement su mettre en lumière les tendances de la mode anglaise pour l’hiver 2015 qui se traduit à travers un retour dans les années 60 –revisitées- avec des cols ronds, des robes un peu en dessous du genou, des couleurs mates et profondes comme le bordeaux, le brun ou le jaune moutarde. Les vêtements et les chaussures semblent échanger et se répondre pour créer une femme moderne à l’esprit enfantin, une femme qui souhaite porter des talons et des chaussures élégantes (tout en étant casual et confortables) en portant ses vêtements de jeune fille.

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Cette collaboration est, selon moi, une illustration du style anglais : style, savoir-faire, tradition (Clarks a été créé en 1825 ! ), confort et une touche d’élégance pour signer une silhouette femme-enfant, qui convient si bien à tant d’entre nous… La collection sera disponible à partir de vendredi en ligne et en magasins, j’ai déjà craqué pour les boots bordeaux Orla Daphne, et vous ?

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Le mariage à l’honneur du Victoria&Albert Museum

Habitant à Londres, j’ai la chance de pouvoir assister régulièrement à des expositions de mode et d’art qui sont toutes plus intéressantes les unes que les autres. Je vous parle aujourd’hui de l’exposition « Wedding Dresses 1775-2014 » qui se déroule jusqu’au 15 mars 2015 au Victoria et Albert Museum à Londres.

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Un conte de fée historique

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Cette exposition m’a laissé des paillettes et du rêve pleins les yeux et la tête, non parce que je crois au prince charmant et conte de fée (un peu quand même…), mais parce que les robes exposées sont tout simplement magnifiques, de par l’histoire qu’elles racontent et la mode qu’elles exposent. Ces robes de mariées historiques retracent l’histoire du plus beau jour de la vie de nombreuses personnes à travers les âges et les époques. Les robes exposées retracent deux siècles d’histoire pour nous conter les mœurs et coutumes du mariage. Ainsi, on apprend que le blanc n’a pas toujours été la couleur du mariage. Au 18eme siècle, les robes étaient régulièrement de couleur argent ou or et elles étaient décorées de fleurs pour le jour du mariage. Ainsi, les robes pouvaient être réutilisées lors de réceptions ou soirées. C’est au 19e siècle que la reine Victoria décide de se marier en robe blanche avec le prince Albert en 1840, elle remet aussi à l’honneur le port du voile et signe le retour à la tendance du blanc porté au mariage. Cette tendance est d’ailleurs relayée par la revue parisienne Journal des Dames et des Modes pour imposer ce retour à la blancheur et la pureté. La rose et la violette étaient les fleurs utilisées lors des mariages pour symboliser l’amour, la fleur d’orange était aussi très populaire car elle représentait la fertilité. Les deux guerres mondiales signent un retour aux robes beiges, pastelles ou aux couleurs métalliques, qui pouvaient être réutilisées après la célébration, « clothes rationing » oblige jusqu’en 1949… Suite à cette ère précaire, le new look fait son apparition avec ses robes de princesse, suivi par les années 2000 qui mettent en lumière une cérémonie de mariage plus ancrée dans la culture contemporaine avec des robes qui sont plus échancrées, qui collent plus au corps pour un effet sexy et sensuel (parfois à la limite de la décence selon moi).

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Une tradition sociale qui se commercialise de plus en plus  

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Le mariage a commencé à se commercialiser au début du 20eme siècle, notamment à Londres où la tradition du royal wedding (mariage royal) est une occasion rêvée pour les designers de se faire connaitre. Ainsi, j’ai pu admirer les robes créées par John Galliano, Vivienne Westwood, Christian Lacroix, Lanvin, Vera Wang, pour ne citer qu’eux. J’ai aussi beaucoup aimé le fait qu’on puisse s’émerveiller devant les robes de Kate Moss, Gwen Stefan, Dita Von Tesse ou la Duchesse de Corwall Camilla. Les photos prises des stars portant leur robe rendait la contemplation encore plus réelle. Les 80 robes exposées pour l’exposition reflètent parfaitement les différentes évolutions stylistiques et les différentes traditions. Par exemple, les mariés africains sont souvent habillés en bleu – cette couleur symbolise la mer et le ciel, représentant l’infini – et en or – cette couleur symbolise, quant à elle la prospérité. L’exposition raconte l’histoire du mariage également à travers des documents d’archives, des croquis, des images, des accessoires (comme vous pouvez le voir ci-dessous avec les chaussures, les sacs, les bijoux).

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De Jane Austen à John Galliano, l’évolution stylistique des robes de mariée est admirablement bien rendue lors de cette exposition. Malgré l’évolution des mœurs, malgré les coutumes propres à chaque pays, cette exposition reflète la beauté de ce jour ou deux êtres se disent oui en mettant en lumière ce vêtement iconique qu’est devenue la robe de mariée…

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Chapeau bas londonien !

Petit aperçu historique d’un accessoire de mode très célèbre et porté chez moi, à Londres : le chapeau ! Chapeau melon, capote haute, bibis, canotiers, capelines, dormeuses, baigneuses, bonnet, haut-de-forme, panama : la tradition de la chapellerie est une tradition vestimentaire à Londres.

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Un accessoire de mode personnalisé

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Pensez-vous “avoir une tête à chapeau” ? Chaque forme de chapeau, couleur, style correspond à la forme spéciale d’un visage et un style vestimentaire. De tous les éléments du vestiaire féminin et masculin le chapeau est donc celui dont le choix est donc le plus difficile. C’est la note finale d’une tenue et il est donc important que celle-ci ne soit pas une « fausse note » ! Je vous avais, par exemple, parlé du chapelier anglais Philip Treacy lors de mon article sur l’exposition à propos d’Isabella Blow. Il est devenu célèbre  grâce à l’originalité de ses chapeaux, notamment grâce aux chapeaux portés par la princesse d’York Béatrice et sa soeur Eugénie pour le mariage de William et Kate. Le chapeau est ancré dans la tradition vestimentaire anglaise depuis bien longtemps. Certains chapeaux sont restés célèbres grâce aux personnes qui les ont portées : le hombourg de Churchill (chapeau large à bord cambré et calotte fendue) ou le modèle fédora (feutre mou aux larges bords porté par l’actrice Sarah Bernhardt). Les hommes de la City de Londres ne portent plus le célèbre chapeau melon (appelé aussi coke ou bowler) mais la tradition de porter un chapeau est encore bien présente dans la capitale. La partie chapellerie exposée à la Fashion Week est d’ailleurs toujours très importante et variée, ce qui prouve l’innovation et la diversité artistique des nouveaux créateurs, tels William Chambers, Maiko Takeda, Piers Atskinson, par exemple. A Londres, le chapeau est un accessoire quotidien des tenues à tous les âges !

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Un temps et une époque à chapeau

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Le chapeau cumule plusieurs fonctions en Angleterre : il sert à protéger des intempéries –plutôt que du soleil- et à marquer son rang social. Quand le vent a raison du parapluie, le chapeau devient un accessoire utile et indispensable, croyez-moi ! Il est notamment possible de remarquer le retour à la mode de la capeline qui se porte très large cet été, contrairement à l’hiver où sa circonférence est plus petite. L’histoire joue aussi un rôle important dans le succès du chapeau. L’Angleterre a toujours une reine (que les Anglais adorent) et le chapeau est depuis toujours un accessoire royal qui permet d’asseoir la royauté. Autrefois, et toujours actuellement dans les familles royales, sortir “en cheveux” (c’est-à-dire sans chapeau) était tout simplement impensable. Cette tradition vestimentaire explique pourquoi les femmes de la famille royale anglaise portent toujours un chapeau lors des cérémonies officielles. Le Royal Ascot réunit aussi chaque année le meilleur du sport et de la mode, en présence de la famille royale. Cette course de chevaux est synonyme d’un fantastique défilé de chapeaux qui vont du plus classique au plus extravagant. Le chapeau demeure, encore aujourd’hui, un symbole de luxe et de goût.

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Bijoux fantaisie, symbole de luxe, le chapeau suit aujourd’hui la tendance de démocratisation du luxe pour faire son apparition dans la rue et sur la tête de tout le monde. Style élégant, chic, original ou décalé, le chapeau est l’accessoire de mode qui habille votre tête en été, comme en hiver, alors messieurs, mesdames, à vos chapeaux !

Ethical Fashion Initiative : la mode humaine et verte

Je vous propose un voyage au cœur de l’Afrique, au cœur d’Haïti, au cœur de la mode et au cœur du partage entre être humain avec un projet mode que j’ai découvert et qui a retenu mon attention : Ethical Fashion Initiative.

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Une mode aux couleurs de sourires, de respect et d’humanité

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Ce qui m’a énormément plu dans ce projet c’est son aspect humanitaire et développement personnel. A cette époque où l’humanité semble parfois dénuée de tout sens, découvrir des projets comme Ethical Fashion Initiative redonne du baume au cœur et de l’espoir en l’être humain. Cette initiative est composée majoritairement de femmes et permet à chacune d’elle de pouvoir exister professionnellement, socialement et personnellement. Ce programme qui allie mode, féminité, tradition et savoir-faire est une façon de sortir chacune de la pauvreté et favoriser l’égalité des sexes grâce au respect gagné par ce travail valorisant. Faire partie des couturières qui ont créé une collection qui sera vue partout dans le monde est très gratifiant et permet à chacune de ces femmes de pouvoir nourrir et éduquer leurs enfants, ce qui est  tout à fait magnifique ! Malgré les idées préconçues (ou non) sur la mode et son amas d’argent ridicule et son superficiel, l’Ethical Fashion Initiative nous rappelle à quel point la mode peut être au commencement de tout : un emploi, une collection, une tenue pour une soirée, une création, un art de porter, de vivre et faire vivre… Cette initiative mode a déjà séduit de nombreux créateurs tels Vivienne Westwood, Stella Mc Cartney, Stella Jean, Sass&Bide qui créés leur collection grâce à l’EFI. Richesses des textiles, profusion de couleurs, somptuosité du savoir-faire et des traditions : l’Afrique est un continent aux milles ressources que l’Ethical Fashion Initiative sait mettre en lumière.

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Une mode respectueuse de la nature

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L’Ethical Fashion Initiative a été fondée en 2009 par Simone Cipriani, en collaboration avec les Nations Unies afin de développer et perpétrer l’artisanat et le savoir-faire de l’Afrique et ses artisans locaux. Tissus africains, accessoires et bijoux des pays africains ou d’Haïti, toutes les créations sont confectionnées par les artisanes de chaque ville et village qui prennent part à cette initiative mode. Ainsi, les ressources et richesses des pays participants sont utilisées à bon escient pour créer des vêtements et accessoires uniques, originaux et d’une qualité sans pareil. Ce projet mode s’inscrit aussi dans la mouvance d’une mode qui se veut plus éthique et respectueuse de l’environnement. Cette mode ne sous-entend pas une mode sans style, bien au contraire, le savoir-faire transmis de générations en générations permet de créer des pièces aux détails et matières uniques qui font la différence lors des défilés. L’éthique peut avoir du style, et celui-ci est de toute beauté, à l’image des photos du défilé de Stella Jean, ci-dessous.

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Ayant l’habitude d’assister aux Fashion Week de Londres, je me suis souvent demandée où étaient les valeurs et l’authenticité d’un monde qui est plus superficiel qu’humain. L’Ethical Fashion Initiative m’a redonné espoir en un milieu où mode, création et artisanat sont toujours liés pour faire défiler un souffle d’humanisme, de nature, de couleurs, un défilé de créations artistiques et humaines, en soit…

Crédit Photos : Tahir Karmali, AltaRoma, Ethical Fashion Initiative.

Tigran Avetisyan : la collection-parfum

Petit voyage dans la mode masculine anglaise avec la marque Tigran Avetisyan. Londres continue de m’étonner avec sa mode et ses créateurs… Aujourd’hui voici une collection de pièces incarnant un parfum…

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Une collection parfumée

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Ce créateur russe a fait ses armes à Londres à  la Central Saint Martins avant de créer sa propre marque Tigran Avetisyan. J’ai beaucoup aimé le thème de cette collection pour le prochain printemps-été : le créateur s’est inspiré de l’idée de « cross-promotion » qui est souvent utilisée par les grandes maisons de couture afin de promouvoir leur parfum et avoir plus de ventes. Ainsi, Tigran a créé son propre parfum, appelé « Duty Free Pour Homme », pour promouvoir sa collection SS15. L’idée d’associer cette collection avec la création d’un parfum m’a semblé très originale et m’a beaucoup plu. De plus, la collection semble « incarner » la finesse et la grâce d’un parfum. En effet, cette collection a été créée avec des matériaux très légers et souples qui  m’ont rappelé les fragrances légères des parfums qui sont comme des voiles odorantes sur la peau. Vestes, pantalons, tee-shirt : toutes les pièces de la collection sont très aériennes et très douces et agréables au touché.

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La touche arty colorée

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Pour ceux qui sont habitués à lire les articles sur mon blog, vous avez du remarquer que je m’intéresse toujours aux collections s’inspirant d’art et notamment celles qui sont très colorées. Le créateur russe s’est inspirée de la technique du collage afin de créer cette collection ou chaque vêtement semble être une pièce qu’on peut « coller-ajouter » à la garde-robe. Les pièces s’empilent, se mixent, se mélangent afin de former une tenue très originale et pleine de fantaisie. Chaque vêtement de sa collection semble être une construction : construction de couleurs, construction de matières, construction de fragments de pièce afin de créer une œuvre d’art textile à la touche arty colorée…

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Crédit photos : Nadya Filatova

Palmer//Harding : entre force et vulnérabilité, découverte de leur univers mode

Je vous présente aujourd’hui ce jeune label de designer qui a été créé en septembre 2011 par Levi Palmer et Matthew Harding.  Leurs créations avaient retenu mon attention lors de la London Collection Men et c’est pour cette raison que j’ai décidé d’aller explorer leur univers avec vous aujourd’hui !

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Contrastes d’émotions, contrastes en créations

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Ce qui m’a beaucoup plu dans leurs créations, ce sont les superpositions et les différentes matières utilisées pour créer des vêtements qui intriguent, protègent, cachent et dévoilent.  Le thème de leur dernière collection pour le printemps-été 2015 exprime le contraste et la tension qui lient à la fois la force, la robustesse de la ville urbaine et la tendresse et fragilité d’un garçon tout juste sorti de l’univers scolaire.  En effet,  les créateurs Palmer//Harding se sont inspirés des uniformes scolaires anglais pour créer une collection qui racontent le contraste entre l’exploration du futur et de la vie adulte et l’aspect vintage et traditionnel de l’univers scolaire anglais. Cette collection met en scène ce contraste grâce aux mannequins choisis pour représenter celle-ci : jeunes aux bouilles d’adolescents, leurs vêtements-uniformes parlent pour eux et les emmènent, malgré eux, vers leur vie d’adulte. L’uniforme revisité est alors une voie qui illustre la nostalgie des années d’enfance et adolescence et donne un nouveau sens contemporain à l’âge adulte qui les attend.

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Une réinterprétation du passage à l’âge adulte

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Ce contraste est illustré à travers la juxtaposition de formes, de matières, de couleurs qui réinterprètent l’uniforme  masculin pour lui apporter une touche moderne.  J’ai énormément aimé cette inspiration mode pour la collection. Le passage à l’âge adulte est un moment souvent difficile et effrayant pour la plupart d’entre nous et j’ai trouvé très intéressant et fin de travailler sur ce moment de vie qui a tellement de choses à raconter. Ce sentiment d’être entre deux mondes a été traduit par les formes dépareillées des vêtements qui sont comme des métaphores des bribes du passé et des « couches » de vie amassées par les années scolaires et de l’enfance. Une « seconde  peau » apparait en dessous, celle-ci représentant l’âge adulte et la nouveauté. Les imprimés de ces créations streetwear aux tons orangés, bleus, verts, beiges s’inspirent des publicités, panneaux d’affichage et posters de la ville urbaine. Les créations Palmer//Harding reflètent la protection grâce à leurs matières souples et confortables tout en exprimant la force de la jungle urbaine avec ces imprimés et ces formes streetwear. Entre robustesse, force et tendresse se dessine une masculinité moderne dont le cœur balance toujours entre l’adolescent et l’adulte…

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Voyage dans l’histoire du Glamour italien….

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Aérienne et intemporelle, la mode italienne fait l’objet d’une magnifique exposition au Victoria & Albert Museum de Londres. Cette exposition sur le « Glamour of the Italian Fashion » raconte l’histoire de la reconstruction industrielle et culturelle de l’Italie après la Seconde Guerre Mondiale jusqu’à nos jours.  Un magnifique voyage dans ce pays aux milles richesses, que je vous propose de parcourir avec mon article aujourd’hui.

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La dolce vita des années 50 : une renaissance italienne moderne

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Les années de fascisme de Mussolini ont forcé les Italiennes à s’habiller avec des créateurs italiens et non parisiens. Mariano Fortuny, Germana  Marucelli, Sorelle Fontana : de nombreuses maisons de couture ont émergé afin de satisfaire la demande de clientes italiennes, glamour et coquettes, toujours prêtes a bien s’habiller. Après 1945, le comte Giovanni Battista Georgini organise les premiers défilés des maisons de couture italiennes à Florence pour mettre en lumière la beauté de la mode italienne et ses nouveaux créateurs. La dolce vita commence se met en scène pour attirer les clients du monde entier : cette élégance italienne semble tellement facile à vivre ! Elle se traduira par le sprezzatura masculin, qui représente l’élégance nonchalante des hommes italiens. Ceux-ci portent des costumes « sportwear habillé » aux coups épurées et matières souples et légères. La mode italienne exprime la personnalité italienne, sa chaleur, sa richesse, son élégance, son glamour qui la différencie de Paris et sa mode plus classique.

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Cinecittà : les lumières hollywoodiennes

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L’âge d’or de la mode italienne brille dans les années 50-60 avec Hollywood qui vient tourner ses films en Italie et met en scène la Dolce Vita de Fellini. Rome, et sa Cinecittà (un complexe de studios cinématographiques), devient alors le temple cinématographique des grands studios hollywoodiens. Audrey Hepburn dans Vacances Romaines, Elizabeth Taylor dans Cléopâtre, Ava Gardner, Anita Ekberg  : le glamour italien est incarné par ces actrices de renom qui font connaitre la dolce vita italienne et son style de vie au monde entier. Ava Gardner habillée par les sœurs Fontana, Audrey Hepburn habillée par Fernanda Gattinoni, Marcello Mastroianni ou John Kennedy portent des tailleurs Brioni ou Zegna : les stars symbolisent et personnifient le glamour de la mode italienne.

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Un savoir-faire unique italien : un pays, une culture, une mode

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Ce qui m’a beaucoup c’est la façon dont l’exposition a mis en lumière la culture et l’histoire italienne qui sont inscrites dans toutes les créations de mode. Le savoir-faire italien est artisanal et chaque région a sa spécificité : le cuir se trouve en Toscane, la laine à Biella, la soie à Côme. Broderie, sequins, brocarts, perles :  la mode italienne est bien plus qu’un style, ce sont aussi des techniques et des matières raffinées qui illustrent un savoir-faire traditionnel qui ne se perd pas. L’exposition a également mis en lumière le lien toujours très présent entre les créations et la culture italienne. Dolce&Gabbana se plaît à puiser dans ses racines siciliennes et s’inspire du monde paysan et aristocrate pour ses créations, quand Versace magnifie la religion et le Vatican rappelant les peintures de la Renaissance et leur opulence, le mouvement et sa décomposition, ainsi que la géométrisation des formes des créations Prada rappelle le mouvement Futuriste italien. Rome et Florence laisseront place à Milan en tant que capitale nationale de la mode dans les années 80.  Artisanat, traditions, glamour : le « Made In Italy » identifie, défend et cultive les talents italiens, encore aujourd’hui.

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L’exposition se finit sur un questionnement sur l’avenir de cette mode italienne à l’heure de la délocalisation et du gouvernement italien et sa fiscalité douteuse. Malgré ces incertitudes sur l’avenir de la mode italienne, le V&A nous a fait le portrait d’une mode glamour, sensuelle, fascinante conjuguant allure et charme, une mode à l’italienne, en soit…

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Made In Sens : le concept qui partage art, mode et solidarité

Je vous propose aujourd’hui de découvrir en images et en mots Made In Sens. Ce concept qui unie valeurs, solidarité, création, mode et art m’a beaucoup plu et s’inscrivait clairement dans la thématique de mon blog. La valeur de partage qu’illustre Made In Sens m’a aussi beaucoup séduite car sans partage, que la vie serait triste !

Made In Sens

Pour le plaisir de la mode, de l’art et du partage

Made In Sens

Made In Sens a été fondé en 2011 par Sabine et Marie qui travaillaient déjà dans le milieu associatif. Cette envie de donner du sens à leur métier  pour partager leur passion de la mode et du milieu associatif a donné naissance à Made In Sens. Ainsi, ce concept est une belle illustration du lien entre le milieu associatif qui regroupe de nombreux artistes et modistes. Mode, art, association : un bon cocktail de couleurs, de peps et d’énergie qui permettent de créer ces vêtements pleins de vie et d’enthousiasme. J’ai adoré leurs collections ludiques et colorées qui m’inspirent bonne humeur. Chaque pièce est une œuvre d’art qui raconte l’histoire et l’espoir portés par le milieu associatif. Chaque collection colle aux tendances mode du moment tout en y apportant la touche originale et fantaisiste de l’inspiration de chaque artiste. La mode n’a pas de règle : elle s’exprime selon les humeurs et les inspirations de chacun !

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Le vêtement comme porte-parole des associations

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Chaque vêtement est, en effet, l’expression des actions des différentes associations qui collaborent avec Made In Sens afin de leur offrir une plus grande visibilité et de les voir sous un angle artistique. Ainsi, Made In Sens travaille avec l’association « Les Invités du Festin » qui est une association en faveur des personnes souffrant de solitude ou exclusion, l’association « Les Chaussettes Orphelines » est une association qui recycle des chaussettes dépareillées et leur redonne vie. Ce travail avec les associations permet au vêtement de devenir une source de vie artistique à travers un travail artistique. Enfin, l’artiste Isabelle Bouteillet crée des œuvres réalisées grâce à de l’huile, gouache,  mine de plomb, pastels. Ces créations inspirées d’histoires pour enfants sont ensuite retravaillées par l’équipe créative de Made In Sens pour en faire des vêtements.

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Distribution et solidarité, artisanat et industrie, proximité et globalisation, mode et art : Made In Sens met en relation plusieurs univers à travers leurs créations. Aujourd’hui je vous propose de mettre en relation l’univers de l’associatif et de la blogosphère grâce à un concours réalisé avec Made In Sens. Pour tenter de remporter le tee-shirt de la dernière photo ci-dessus, il vous suffit de :

  • Liker la page Facebook du blog.
  • Liker la page Facebook de Made In Sens.
  • Laisser un commentaire en laissant une adresse email où je puisse vous joindre si vous êtes l’heureux(-se) gagnant(e).

Le tirage au sort aura lieu le Samedi 16 Août à 12h. Le gagnant sera tiré au sort via le logiciel Random.org et sera annoncé via Facebook et via email.

Bonne chance à tout le monde !

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