Mode personnalisée et originale ? Découverte de la marque Spreashirt !

Je vous présente aujourd’hui la marque Spreadshirt qui incarne une mode personnalisée et donne la chance à chacun de laisser libre cours à sa créativité. Idée de cadeau amusante, envie de créer, porter des vêtements ou accessoires plus originaux : voici un petit aperçu en mots et images avec Clémentine, la responsable de ce concept mode qui m’a beaucoup plu !

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  1. Pouvez-vous présenter le concept de la marque ?

Spreadshirt est le leader de la personnalisation de tee-shirts, vêtements et accessoires en Europe et un des grands acteurs sur le marché de la personnalisation nord-américain. Il y a trois grandes dimensions à l’offre Spreadshirt :

  • Le « Create your own», qui vous permet grâce à un outil de personnalisation de tee-shirt de créer votre produit personnalisé, en choisissant un texte, un motif ou encore votre propre graphique ou photo.
  • Le « Marketplace» qui permet de parcourir les designs disponibles, par exemple les tee-shirts rugby, geek ou humour.
  • « Open your shop » : Spreadshirt permet à tout graphique designer d’ouvrir une boutique gratuitement. Cela permet à chacun  de recevoir des commissions fixe sur la vente de leurs designs, sans avoir besoin de s’occuper ni de la logistique ni de la « paperasse ».

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  1. D’où est venue l’idée de créer cette marque ?

Spreadshirt a été créée en 2001 par Lukas Gadowski à Leipzig en Allemagne, où se trouvent toujours les bureaux principaux. La mission de Spreadshirt, c’est d’être LA plateforme créative de l’habillement : en permettant d’acheter ou vendre, Spreadshirt réunit une communauté de graphistes, marques, et amoureux de la personnalisation.

  1. Que signifie le nom « Spreadshirt » ?

Spread, cela signifie partager. C’est un jeu de mots : en remplaçant le ‘Sheet’ de ‘Spreadsheet’ par un ‘Shirt’, le nom formé évoque la facilité de communiquer et d’échanger via le tee-shirt.

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  1. J’ai vu qu’il y avait des versions du site pour plusieurs pays et continents, comment la marque s’est petit à petit développée ?

La boutique Spreadshirt a d’abord ouvert en Allemagne en 2001. En 2004, la plateforme s’est ouverte aux marchés français, britannique, norvégien, suisse, espagnol, néerlandais et italien, puis aux Etats-Unis. La plateforme polonaise est arrivée en 2005. Cette année, Spreadshirt est maintenant présent en Australie et au Brésil.

  1. Vous avez une section « vendre » pour ceux qui souhaitent vendre leur propre design, quels sont vos critères pour choisir si un design peut être vendu ou non sur le site ?

A chaque publication d’un design, il passe par une étape de validation. Les designs à caractère offensif (raciste, homophobe ou sexiste…) ne sont pas acceptés. De plus, les motifs qui peuvent présenter des problèmes légaux en raison de l’existence d’un copyright sont également écartés.

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  1. Votre plus grande satisfaction depuis que la marque a été créée ?

Avoir rejoint l’aventure en Septembre 2013 !

  1. Avez-vous de nouveaux projets ou news à partager avec les lecteurs ?

Le mois dernier, Spreadshirt a fait l’acquisition de la plateforme brésilienne « Vitrinepix ». C’est une grande première car Spreadshirt n’était pas encore présent en Amérique Latine. En ce moment, notre Spot TV adressé aux créateurs de designs et marques passe à la télévision française et allemande. Je ne vous en dis pas plus, mais gardez l’œil ouvert aux alentours de Noël ;)

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Apres la découverte de ce concept original, je vous propose de remporter un bon d’achat de 30euros sur le site Spreadhirt pour gagner le ou les articles que vous préférez afin de composer vous-même votre univers de mode ! Pour tenter de remporter ce bon d’achat, il vous suffit de :

  • Liker la page Facebook du blog.
  • Liker la page Facebook de Spreashirt.
  • Laisser un commentaire en laissant une adresse email où je puisse vous joindre si vous êtes l’heureux(-se) gagnant(e).

Le tirage au sort aura lieu le Samedi 1er Novembre à 12h. Le gagnant sera tiré au sort via le logiciel Random.org et sera annoncé via Facebook et via email.

Bonne chance à tout le monde !

Le retour de la mode des années 80 ?

Phénomène de mode, phénomène de société ? Un peu des deux, certainement, les années 80 font leur come-back dans le vestiaire contemporain pour apporter peps et énergie dans la mode contemporaine ! Petit retour et détour sur ces années flashy et colorées qui réapparaissent pour le grand plaisir des yeux !

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Des couleurs, du flash et du mouvement !

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Le monde de la mode semble avoir la nostalgie des couleurs gaies et pétillantes des années 80. Les couleurs fluo et acidulées rappelant les mouvements et énergies du flashdance. Le style des années 80 dans la mode ? Etre vu ! Couleurs, fluo, formes décalées et déstructurées : le but était de ne pas passer inaperçu. Le sweat se porte oversize, les vestes ont des épaulettes démesurées, le perfecto fait son show et les chaussures se portent de façon zébrées, léopardées, bref animales ! Ce retour des années 80 exprime une mode qui se renouvelle et dynamise un nouvel élan plein de couleurs, de formes et matières originales. La mode des années 80 est également incarnée par les icônes pop rock et par le look flashdance comme Michael Jackson, Madonna et David Bowie. Les looks sont déjantés et laissent libre cours à la création et l’excentricité en passant par le mouvement et le gestuel. Les tailles des vêtements sont larges pour offrir un confort total et une liberté de mouvement… et de pensée (?). Il y aussi une tendance classique avec des formes plus cadrées comme on peut le voir sur ce site qui propose des pièces vintage inspirées des années 80. Il faut tout de même rappeler que les années 80 n’avaient pas autant de liberté d’esprit et fantaisie (qui frise parfois le ridicule aujourd’hui) pour les créations mode.

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Londres, le berceau de la folie des années 80

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Londres, son originalité, sa folie, aucune souscription aux codes, son camaïeux de style : cette ville est d’une richesse sans pareil pour la création et les nouveautés mode. L’exposition Club to Catwalk, qui se déroulait au Victoria&Albert Museum l’automne dernier avait clairement mis en lumière ce cocktail de folie, insouciance, motifs et détails dans la mode qui défilait déjà dans les célèbres clubs londoniens tels Tatoo, The Bell, Limelight, The Blitz, pour ne citer qu’eux. L’exposition sur Jean-Paul Gaultier rend aussi hommage à la culture et mode des années 80 avec ce créateur phare. On retrouve ce cocktail dans la mode pour la fin de l’été, notamment pour les collections streetwear : la vie urbaine encourage les vêtements confortables et pratiques. Jeux sur les tailles et les dimensions, couleurs vitaminées, le streetwear revêt l’atmosphère des années 80 chez Astrid Andersen, par exemple.

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Couleurs acidulées, formes larges, liberté de mouvement, motifs originaux et peps : les orangés, marrons et jaunes de l’automne seront donc parsemés de touches vertes, bleues, et rouges aux allures contemporaines !

Faustine Steinmetz ou la renaissance du denim

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Je vous présente aujourd’hui la marque d’une créatrice parisienne, Faustine Steinmetz, qui est maintenant installée à Londres pour développer sa mode artisanale et durable. J’ai eu l’occasion d’aller voir la présentation de sa collection printemps-été 2015 pendant la Fashion Week de Londres.

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Voyage dans les camaïeux de bleus

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J’ai beaucoup aimé le travail sur le jean et les bleus que Faustine a mis en lumière à travers sa collection. Cette diplômée de la célèbre école de mode Central St Martins a décidé de nous faire voyager dans le monde des bleus et du jean revisité pour la saison estivale 2015. Travail original sur la matière et la couleur, la collection de Faustine a retenu mon attention car j’ai passé un bon moment à admirer ses pièces qui questionnent sur le rapport au temps, à l’expression de la mode moderne. Chaque pièce renvoyait à une perception personnelle : comment appréhender cette construction/déconstruction du denim ? Comment percevoir ce bleu lavé/délavé en contraste ou harmonie avec le denim ? J’ai trouvé cette collection originale et très intéressante pour comprendre et interroger les tendances mode à venir. La plupart des pièces de cette collection ont, en réalité, été peintes afin de donner l’apparence de la texture du denim : ceci soulève alors la question du trompe-l’œil dans la mode… Entre questionnement et admiration, le travail sur la couleur bleu m’a également impressionnée : voyage entre le ciel, la mer et le tissu, Faustine nous fait voir la vie… en bleu !

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Naissance du denim artisanal

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Faustine Steinmetz crée sa collection dans un studio dans l’Est de Londres avec des techniques artisanales. Cette collection 100% Made in UK m’a totalement séduite, notamment l’aspect artisanal et travail de la matière qui était clairement visible sur chaque pièce de la collection. Cette collection fait penser à des chutes de jeans et de vêtements passés qui ont vécu et qui ont été récupérés dans l’armoire des parents ou grands-parents. Je vous ai déjà parlé de la tendance mode durable et écologique qui se développe de plus en plus dans le milieu de la mode, Faustine Steinmetz s’inscrit directement dans cette tendance avec son denim revu de façon artisanale. Ces pièces ont majoritairement été créées grâce à des jeans ou des pièces de denim recyclées. Modernisé, stylisé, retravaille : Faustine donne naissance au denim, une seconde fois. Ceci donne une collection sportwear chic, qui semble très confortable à porter et qui ne passe pas inaperçu. Cette artiste mode a su clairement travailler et amadouer le vêtement pour le rendre unique, œuvre de modernité, œuvre de bleu, œuvre d’art…

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Récit de Fashion Week SS15

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Me voici de retour après un week-end chargé en défilés, en présentations et découvertes de nouveaux créateurs dans le monde la mode londonienne. Voici un petit aperçu des tendances mises en lumière à travers cette Fashion Week pour le prochain printemps-été, vue dans les yeux des nouveaux designers. Ceux-ci ont encore fait preuve de créativité avec une exploration de nouvelles matières et formes mais je vous avais déjà parlé de ces tendances lors de cet article et elles demeurent inchangées. J’ai cependant décidé de m’attarder sur deux grandes tendances et je parsèmerai l’article de photos de créations originales repérées lors de cette Fashion Week.

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Des couleurs pastels ou flashy

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Pour la prochaine saison estivale, les couleurs seront, bien entendu, de sortie. Ce qui m’a cependant frappé quand je parcourais le showroom des nouveaux designers, les couleurs des vêtements étaient soit pastels, soit flashy. L’été sera extravagant ou très doux et calme. Les couleurs pastels des vêtements racontaient réellement la douce température estivale londonienne (ou il  ne fait jamais très chaud) et les couleurs harmonieuses et claires des journées ensoleillées, beaucoup de vêtements reflétaient également la légèreté da la brise estivale. Cette tendance de couleurs était aussi mise en lumière à travers les accessoires mode comme les chaussures, les chapeaux ou les sacs qui exprimaient un été  joyeux et foufou aux couleurs de pays exotiques. Les couleurs flashy sont aussi de sortie pour contraster avec la douceur des pastels. Ces créations aux couleurs rieuses et gaies transportaient dans un autre monde, dans des pays lointain où été rime avec chaleur, soleil et fête colorée.

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Une mode éco-friendly

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Pour rebondir sur l’idée de voyage exprimée à travers les créations colorées, la mode éthique et écologique avait sa propre place à la Fashion Week de Londres. Cela fait du bien de voir que cette mode, toujours décriée parce que considérée comme moins sexy et féminine, a finalement ses jours de gloire et beauté ! Je vous avais déjà parlé du projet Ethical Fashion Initiative pour prouver que la mode éthique et écolo avait clairement sa place dans la haute-couture. J’ai d’ailleurs découvert Sewa, une initiative mode qui met en valeur le travail des femmes qui créent des vêtements à partir d’objets et de tissus recyclés. La mode écolo est très axée sur l’arrêt du gaspillage des matières et de l’argent en redistribuant les richesses équitablement en payant mieux les couturières, par exemple, ou en créant des collections “responsables”. Ainsi, j’ai découvert une créatrice française, Louise de Testa, qui a créé sa ligne sportwear chich en utilisant et recyclant des chutes de vêtements. La créatrice anglaise Katie Jones a créé une ligne de vêtements et accessoires aux couleurs pétillantes. Sa ligne knitwear de luxe est créée de façon artisanale et recycle également les chutes de tissus. Les bijoux de Fiona Paxton ont aussi attiré mon attention avec leur twist ethnique chic. Je vous reparlerai de tous ces projets dans les semaines à venir en détaillant leurs projets un par un, en attendant, restez-connectés pour suivre les résumés des défilés !

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Le style Fashion Week de Londres

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Cette semaine, vendredi exactement, c’est la Fashion Week de Londres qui démarre. Je vous ai déjà parlé à plusieurs reprises de cet évènement mode à Londres car j’ai la chance de pouvoir y participer chaque année. Apres avoir écrit plusieurs articles sur la Fashion Week et son atmosphère, je souhaitais, cette année, m’attarder sur mon point de vue sur les tenues des personnes allant aux défilés.

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La mode en fête

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Tout d’abord, revenons aux basics : la Fashion Week, qu’est-ce que c’est ? C’est LA semaine de la mode qui a lieu deux fois par an. Les collections d’automne-hiver sont présentées entre février et mars et celles d’été sont présentés entre septembre et octobre. La Fashion Week se déroule pendant 1 mois : elle commence à New-York, passe par Londres, puis par Milan et se termine enfin par Paris. Ces semaines sont l’occasion pour les designers et les fashion people de montrer leur nouvelle collection et se montrer, par la même occasion. Les créations sont présentées grâce à des défilés (les défilés classiques qu’on peut voir à la télévision) ou par le biais de présentation (qui coûtent beaucoup moins chères). Les présentations sont de mini-défilés qui ont lieu environ toutes les 15 minutes, les mannequins se transforment ensuite en statues afin que les personnes invitées au show ou les acheteurs puissent noter les détails et prendre des photos de plus près. Personnellement, je préfère les présentations car elles permettent réellement d’admirer le travail fait sur le vêtement, contrairement aux défilés ou tout le monde est entassé et où les lumières ne sont pas toujours idéales pour pouvoir prendre des photos de bonne qualité.

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Une histoire de style authentique

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Parlons un peu maintenant des fashion people, de leur style et de leur comportement qui font couler de l’encre. Quand je parle de Fashion people, j’entends  toutes les personnes qui ont l’habitude de fréquenter le milieu de la mode : stylistes, mannequins, créateurs, bloggeurs, photographes, acheteurs de grandes boutiques… Je pense sincèrement que les fashion people sont différents d’un pays à un autre et notamment lors des Fashion Week qui impliquent d’ores et déjà une ambiance superficielle et de show. Le port des talons n’est pas obligatoire à Londres et la plupart des personnalités de la mode arrivent d’ailleurs aux défilés en chaussures plates ou avec des petits talons. Tout comme pour la tenue, l’important est d’avoir une pièce de créateur, une pièce originale qui puisse faire la différence afin qu’une photographe vous repère. Les petites marques de nouveaux créateurs sont donc à privilégier, pour le style, l’originalité et le portefeuille ! En plus de leur faire une publicité habillée et personnalisée, porter une tenue originale permet de créer un contact car les gens ont plus tendance à vous demander d’où vient la pièce, où vous l’avez acheté… Un bon moyen de commencer une conversation mode sans préjugé sur qui est la personne et quelle place elle occupe dans la fashion hiérarchie. Concernant le style à adopter, donc, le vintage est aussi dans la tendance du moment. Les londoniens adorent mixer le genre nouveau créateur avec une pièce vintage. Celle-ci peut aussi servir de pièce originale (au lieu de celle d’un nouveau créateur) car elle est unique et permet de se démarquer clairement des autres styles. Concernant les pièces de créateurs, je vous conseille d’aller jeter un œil aux quartiers de Bricklane et Shoreditch ou de nombreuses boutiques de petits créateurs ont fleuri. Concernant le vintage, je vous conseille plutôt d’aller au Portobello Market comme nous l’explique très bien Ingrid dans cet article. Enfin, pour la note finale a la tenue, les chapeaux sont énormément portés (je vous avais d’ailleurs déjà parlé de cette tendance mode), tout comme les bijoux de tête.

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En attendant, les comptes-rendus de défilés et connaître les tendances pour l’été prochain, voici un petit plus d’informations concernant cet évènement mode à suivre de loin, ou de près pour les curieux ou les amoureux de la mode !

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Clarks rencontre Orla Kiely !

Je vous parle aujourd’hui d’une collaboration mode-chaussure dont je vous avais déjà parlé lors de cet article sur le défilé de la marque Orla Kiely lors de la Fashion Week de Londres. J’avais évoqué cette collaboration car j’avais beaucoup aimé les chaussures présentées lors de ce défilé et voici qu’elles peuvent enfin être achetées ! Je profite, donc, de l’occasion pour vous en dire plus sur cette collaboration mode…

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Une collaboration casual élégante

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Cette collaboration entre Orla Kiely et Clarks m’a fait agréablement redécouvrir la marque Clarks qui m’avait laissé des souvenirs enfantins à l’époque où j’en portais. Clarks fait donc preuve d’une superbe renaissance en mettant à jour une tout autre vision de se chausser : les chaussures confortables peuvent aussi être élégantes, tendances et originales ! Les clous de certaines chaussures rappellent la tendance punk à laquelle tienne tellement les Anglais : cette tendance punk rock’n’roll contraste d’ailleurs avec les tenues très enfantines et douces de la designer irlandaise Orla Kiely. Chaque anglaise aurait donc la punk rock’n’roll attitude ancrée en elle, malgré tout… J’adhère d’ailleurs tout à fait à cette idée après deux ans et demi de vie à Londres !  J’ai beaucoup apprécié l’aspect plus casual des chaussures Clarks qui différencie du côté très « petite fille chic » de la collection Orla Kiely.

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Une rencontre anglaise entre mode-chaussures

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Les deux marques anglaises se sont parfaitement trouvées pour créer une collection ravissante qui rappelle les années 60, leurs couleurs douces, leurs formes arrondies et leur côté enfantin et innocent. Les vêtements d’Orla Kiely se marient parfaitement avec les chaussures Clarks qui habillent les pieds pour terminer une silhouette très british. Les chaussures peuvent se porter avec des gros collants en hiver (comme les mocassins Orla Dora) ou sous un pantalon (comme les boots Orla Daphne par exemple). La designer irlandaise et Clarks ont parfaitement su mettre en lumière les tendances de la mode anglaise pour l’hiver 2015 qui se traduit à travers un retour dans les années 60 –revisitées- avec des cols ronds, des robes un peu en dessous du genou, des couleurs mates et profondes comme le bordeaux, le brun ou le jaune moutarde. Les vêtements et les chaussures semblent échanger et se répondre pour créer une femme moderne à l’esprit enfantin, une femme qui souhaite porter des talons et des chaussures élégantes (tout en étant casual et confortables) en portant ses vêtements de jeune fille.

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Cette collaboration est, selon moi, une illustration du style anglais : style, savoir-faire, tradition (Clarks a été créé en 1825 ! ), confort et une touche d’élégance pour signer une silhouette femme-enfant, qui convient si bien à tant d’entre nous… La collection sera disponible à partir de vendredi en ligne et en magasins, j’ai déjà craqué pour les boots bordeaux Orla Daphne, et vous ?

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Le mariage à l’honneur du Victoria&Albert Museum

Habitant à Londres, j’ai la chance de pouvoir assister régulièrement à des expositions de mode et d’art qui sont toutes plus intéressantes les unes que les autres. Je vous parle aujourd’hui de l’exposition « Wedding Dresses 1775-2014 » qui se déroule jusqu’au 15 mars 2015 au Victoria et Albert Museum à Londres.

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Un conte de fée historique

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Cette exposition m’a laissé des paillettes et du rêve pleins les yeux et la tête, non parce que je crois au prince charmant et conte de fée (un peu quand même…), mais parce que les robes exposées sont tout simplement magnifiques, de par l’histoire qu’elles racontent et la mode qu’elles exposent. Ces robes de mariées historiques retracent l’histoire du plus beau jour de la vie de nombreuses personnes à travers les âges et les époques. Les robes exposées retracent deux siècles d’histoire pour nous conter les mœurs et coutumes du mariage. Ainsi, on apprend que le blanc n’a pas toujours été la couleur du mariage. Au 18eme siècle, les robes étaient régulièrement de couleur argent ou or et elles étaient décorées de fleurs pour le jour du mariage. Ainsi, les robes pouvaient être réutilisées lors de réceptions ou soirées. C’est au 19e siècle que la reine Victoria décide de se marier en robe blanche avec le prince Albert en 1840, elle remet aussi à l’honneur le port du voile et signe le retour à la tendance du blanc porté au mariage. Cette tendance est d’ailleurs relayée par la revue parisienne Journal des Dames et des Modes pour imposer ce retour à la blancheur et la pureté. La rose et la violette étaient les fleurs utilisées lors des mariages pour symboliser l’amour, la fleur d’orange était aussi très populaire car elle représentait la fertilité. Les deux guerres mondiales signent un retour aux robes beiges, pastelles ou aux couleurs métalliques, qui pouvaient être réutilisées après la célébration, « clothes rationing » oblige jusqu’en 1949… Suite à cette ère précaire, le new look fait son apparition avec ses robes de princesse, suivi par les années 2000 qui mettent en lumière une cérémonie de mariage plus ancrée dans la culture contemporaine avec des robes qui sont plus échancrées, qui collent plus au corps pour un effet sexy et sensuel (parfois à la limite de la décence selon moi).

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Une tradition sociale qui se commercialise de plus en plus  

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Le mariage a commencé à se commercialiser au début du 20eme siècle, notamment à Londres où la tradition du royal wedding (mariage royal) est une occasion rêvée pour les designers de se faire connaitre. Ainsi, j’ai pu admirer les robes créées par John Galliano, Vivienne Westwood, Christian Lacroix, Lanvin, Vera Wang, pour ne citer qu’eux. J’ai aussi beaucoup aimé le fait qu’on puisse s’émerveiller devant les robes de Kate Moss, Gwen Stefan, Dita Von Tesse ou la Duchesse de Corwall Camilla. Les photos prises des stars portant leur robe rendait la contemplation encore plus réelle. Les 80 robes exposées pour l’exposition reflètent parfaitement les différentes évolutions stylistiques et les différentes traditions. Par exemple, les mariés africains sont souvent habillés en bleu – cette couleur symbolise la mer et le ciel, représentant l’infini – et en or – cette couleur symbolise, quant à elle la prospérité. L’exposition raconte l’histoire du mariage également à travers des documents d’archives, des croquis, des images, des accessoires (comme vous pouvez le voir ci-dessous avec les chaussures, les sacs, les bijoux).

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De Jane Austen à John Galliano, l’évolution stylistique des robes de mariée est admirablement bien rendue lors de cette exposition. Malgré l’évolution des mœurs, malgré les coutumes propres à chaque pays, cette exposition reflète la beauté de ce jour ou deux êtres se disent oui en mettant en lumière ce vêtement iconique qu’est devenue la robe de mariée…

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Chapeau bas londonien !

Petit aperçu historique d’un accessoire de mode très célèbre et porté chez moi, à Londres : le chapeau ! Chapeau melon, capote haute, bibis, canotiers, capelines, dormeuses, baigneuses, bonnet, haut-de-forme, panama : la tradition de la chapellerie est une tradition vestimentaire à Londres.

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Un accessoire de mode personnalisé

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Pensez-vous “avoir une tête à chapeau” ? Chaque forme de chapeau, couleur, style correspond à la forme spéciale d’un visage et un style vestimentaire. De tous les éléments du vestiaire féminin et masculin le chapeau est donc celui dont le choix est donc le plus difficile. C’est la note finale d’une tenue et il est donc important que celle-ci ne soit pas une « fausse note » ! Je vous avais, par exemple, parlé du chapelier anglais Philip Treacy lors de mon article sur l’exposition à propos d’Isabella Blow. Il est devenu célèbre  grâce à l’originalité de ses chapeaux, notamment grâce aux chapeaux portés par la princesse d’York Béatrice et sa soeur Eugénie pour le mariage de William et Kate. Le chapeau est ancré dans la tradition vestimentaire anglaise depuis bien longtemps. Certains chapeaux sont restés célèbres grâce aux personnes qui les ont portées : le hombourg de Churchill (chapeau large à bord cambré et calotte fendue) ou le modèle fédora (feutre mou aux larges bords porté par l’actrice Sarah Bernhardt). Les hommes de la City de Londres ne portent plus le célèbre chapeau melon (appelé aussi coke ou bowler) mais la tradition de porter un chapeau est encore bien présente dans la capitale. La partie chapellerie exposée à la Fashion Week est d’ailleurs toujours très importante et variée, ce qui prouve l’innovation et la diversité artistique des nouveaux créateurs, tels William Chambers, Maiko Takeda, Piers Atskinson, par exemple. A Londres, le chapeau est un accessoire quotidien des tenues à tous les âges !

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Un temps et une époque à chapeau

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Le chapeau cumule plusieurs fonctions en Angleterre : il sert à protéger des intempéries –plutôt que du soleil- et à marquer son rang social. Quand le vent a raison du parapluie, le chapeau devient un accessoire utile et indispensable, croyez-moi ! Il est notamment possible de remarquer le retour à la mode de la capeline qui se porte très large cet été, contrairement à l’hiver où sa circonférence est plus petite. L’histoire joue aussi un rôle important dans le succès du chapeau. L’Angleterre a toujours une reine (que les Anglais adorent) et le chapeau est depuis toujours un accessoire royal qui permet d’asseoir la royauté. Autrefois, et toujours actuellement dans les familles royales, sortir “en cheveux” (c’est-à-dire sans chapeau) était tout simplement impensable. Cette tradition vestimentaire explique pourquoi les femmes de la famille royale anglaise portent toujours un chapeau lors des cérémonies officielles. Le Royal Ascot réunit aussi chaque année le meilleur du sport et de la mode, en présence de la famille royale. Cette course de chevaux est synonyme d’un fantastique défilé de chapeaux qui vont du plus classique au plus extravagant. Le chapeau demeure, encore aujourd’hui, un symbole de luxe et de goût.

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Bijoux fantaisie, symbole de luxe, le chapeau suit aujourd’hui la tendance de démocratisation du luxe pour faire son apparition dans la rue et sur la tête de tout le monde. Style élégant, chic, original ou décalé, le chapeau est l’accessoire de mode qui habille votre tête en été, comme en hiver, alors messieurs, mesdames, à vos chapeaux !

Ethical Fashion Initiative : la mode humaine et verte

Je vous propose un voyage au cœur de l’Afrique, au cœur d’Haïti, au cœur de la mode et au cœur du partage entre être humain avec un projet mode que j’ai découvert et qui a retenu mon attention : Ethical Fashion Initiative.

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Une mode aux couleurs de sourires, de respect et d’humanité

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Ce qui m’a énormément plu dans ce projet c’est son aspect humanitaire et développement personnel. A cette époque où l’humanité semble parfois dénuée de tout sens, découvrir des projets comme Ethical Fashion Initiative redonne du baume au cœur et de l’espoir en l’être humain. Cette initiative est composée majoritairement de femmes et permet à chacune d’elle de pouvoir exister professionnellement, socialement et personnellement. Ce programme qui allie mode, féminité, tradition et savoir-faire est une façon de sortir chacune de la pauvreté et favoriser l’égalité des sexes grâce au respect gagné par ce travail valorisant. Faire partie des couturières qui ont créé une collection qui sera vue partout dans le monde est très gratifiant et permet à chacune de ces femmes de pouvoir nourrir et éduquer leurs enfants, ce qui est  tout à fait magnifique ! Malgré les idées préconçues (ou non) sur la mode et son amas d’argent ridicule et son superficiel, l’Ethical Fashion Initiative nous rappelle à quel point la mode peut être au commencement de tout : un emploi, une collection, une tenue pour une soirée, une création, un art de porter, de vivre et faire vivre… Cette initiative mode a déjà séduit de nombreux créateurs tels Vivienne Westwood, Stella Mc Cartney, Stella Jean, Sass&Bide qui créés leur collection grâce à l’EFI. Richesses des textiles, profusion de couleurs, somptuosité du savoir-faire et des traditions : l’Afrique est un continent aux milles ressources que l’Ethical Fashion Initiative sait mettre en lumière.

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Une mode respectueuse de la nature

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L’Ethical Fashion Initiative a été fondée en 2009 par Simone Cipriani, en collaboration avec les Nations Unies afin de développer et perpétrer l’artisanat et le savoir-faire de l’Afrique et ses artisans locaux. Tissus africains, accessoires et bijoux des pays africains ou d’Haïti, toutes les créations sont confectionnées par les artisanes de chaque ville et village qui prennent part à cette initiative mode. Ainsi, les ressources et richesses des pays participants sont utilisées à bon escient pour créer des vêtements et accessoires uniques, originaux et d’une qualité sans pareil. Ce projet mode s’inscrit aussi dans la mouvance d’une mode qui se veut plus éthique et respectueuse de l’environnement. Cette mode ne sous-entend pas une mode sans style, bien au contraire, le savoir-faire transmis de générations en générations permet de créer des pièces aux détails et matières uniques qui font la différence lors des défilés. L’éthique peut avoir du style, et celui-ci est de toute beauté, à l’image des photos du défilé de Stella Jean, ci-dessous.

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Ayant l’habitude d’assister aux Fashion Week de Londres, je me suis souvent demandée où étaient les valeurs et l’authenticité d’un monde qui est plus superficiel qu’humain. L’Ethical Fashion Initiative m’a redonné espoir en un milieu où mode, création et artisanat sont toujours liés pour faire défiler un souffle d’humanisme, de nature, de couleurs, un défilé de créations artistiques et humaines, en soit…

Crédit Photos : Tahir Karmali, AltaRoma, Ethical Fashion Initiative.

Tigran Avetisyan : la collection-parfum

Petit voyage dans la mode masculine anglaise avec la marque Tigran Avetisyan. Londres continue de m’étonner avec sa mode et ses créateurs… Aujourd’hui voici une collection de pièces incarnant un parfum…

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Une collection parfumée

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Ce créateur russe a fait ses armes à Londres à  la Central Saint Martins avant de créer sa propre marque Tigran Avetisyan. J’ai beaucoup aimé le thème de cette collection pour le prochain printemps-été : le créateur s’est inspiré de l’idée de « cross-promotion » qui est souvent utilisée par les grandes maisons de couture afin de promouvoir leur parfum et avoir plus de ventes. Ainsi, Tigran a créé son propre parfum, appelé « Duty Free Pour Homme », pour promouvoir sa collection SS15. L’idée d’associer cette collection avec la création d’un parfum m’a semblé très originale et m’a beaucoup plu. De plus, la collection semble « incarner » la finesse et la grâce d’un parfum. En effet, cette collection a été créée avec des matériaux très légers et souples qui  m’ont rappelé les fragrances légères des parfums qui sont comme des voiles odorantes sur la peau. Vestes, pantalons, tee-shirt : toutes les pièces de la collection sont très aériennes et très douces et agréables au touché.

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La touche arty colorée

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Pour ceux qui sont habitués à lire les articles sur mon blog, vous avez du remarquer que je m’intéresse toujours aux collections s’inspirant d’art et notamment celles qui sont très colorées. Le créateur russe s’est inspirée de la technique du collage afin de créer cette collection ou chaque vêtement semble être une pièce qu’on peut « coller-ajouter » à la garde-robe. Les pièces s’empilent, se mixent, se mélangent afin de former une tenue très originale et pleine de fantaisie. Chaque vêtement de sa collection semble être une construction : construction de couleurs, construction de matières, construction de fragments de pièce afin de créer une œuvre d’art textile à la touche arty colorée…

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Crédit photos : Nadya Filatova

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