A propos Marine

Bienvenue dans mon univers artistique ! Marine, 25 ans, passionnée de mode, d'art et d'écriture. Je suis expatriée française à Londres depuis Juin 2012. J'ai choisi cette ville pour sa liberté et son expression artistique et elle m'a décidée à écrire ce blog pour partager mes passions: la mode, l'art et l'écriture. Je travaille dans la communication digitale, ainsi, ma vie professionnelle m'a aussi convaincu de créer mon propre blog pour partager mes univers artistiques. J'ai choisi de créer ce blog pour partager des événements marquants. Expositions, livres, nouvelles créations, nouveaux stylistes : tant que la mode devient art je suis inspirée pour écrire. Partenariats, échange de lien et rencontres sur Londres et en France : je suis prête à partager mon blog ! Par conséquent, n’hésitez pas à me contacter.

Décorer son jardin… à l’italienne !

Avec les beaux jours qui sont enfin de retour et l’été qui arrive, j’ai décidé de vous parler aujourd’hui du jardin et de la décoration de celui-ci. Le jardin est en effet un endroit particulier qui permet de sublimer votre maison afin d’en faire un cadre de vie plus agréable. Pourquoi ne pas le rendre original et unique pour en faire votre petit nid vert ? L’un des styles de jardins les plus beaux est le style à l’italienne, né à la Renaissance et qui inspira les plus beaux jardins de nos châteaux, par exemple. Voici donc quelques conseils pour obtenir un jardin à l’italienne qui y, et vous ressemble (ou tente d’y ressembler !)…

Accessoires de jardin

Le jardin est un endroit qu’il est facilement possible d’accessoiriser, ainsi, les accessoires sont les pièces de décoration indispensables pour pouvoir apporter une touche personnelle à votre jardin. Parasols, canapés d’extérieur, chaises longues et coussins, tons clairs et épurés : votre jardin est votre havre de paix, de nature et de positivité. Besoin d’idées pour trouver du mobilier et des accessoires ? C’est par-ici avec cette large gamme de mobiliers extérieurs design qui feront de votre jardin un espace à vivre relaxant et apaisant.  

Une végétation riche et ordonnée

La végétation tient, bien entendu, une part importante dans l’aspect de votre jardin. Contrairement à ce que l’on croit, il n’est pas obligatoire d’avoir beaucoup de végétation pour avoir un beau jardin à l’italienne, vous pouvez aussi tout simplement bien l’ordonner. Les haies taillées pour délimiter votre jardin sont un parfait exemple, un arbre central peut également suffire, mais rien n’est figé, laissez libre cours à votre imagination, ils peuvent aussi être plus nombreux, tant qu’ils sont ordonnés. Quant aux fleurs, elles égaient votre jardin, qu’elles soient installées en bordures ou en pots.

Revêtement de sol et terrasse

Pour avoir un jardin original au style italien, les allées doivent être soignées : le jardin est un espace extérieur qui peut  – et doit ? – être vu. Il en est de même pour la terrasse si vous en possédez une. A vous de choisir les matériaux qui vous correspondent. Etes-vous plutôt bois, granit, pierre blanche ? Une petite allée en pierres dallées entre deux parcelles d’herbe menant à la maison : n’est-ce pas romantique ? Un “tapis rouge” version jardin qui fera son effet, c’est certain ! Une terrasse en bois très épurée peut également être très tendance : à vous de regarder selon l’espace dont vous disposez.

Fontaine et luminaire de jardin

La touche indispensable pour un jardin de style italien ? Installer une fontaine à eau et des luminaires de jardin comme par exemple ceux d’Unopiù. Ces deux éléments apportent douceur, sérénité, modernité et romantisme au jardin. Avec un luminaire de jardin, vos nuits seront éclairées pour des soirées ou des dîners qui peuvent s’éterniser toute la nuit. N’oubliez pas la citronnelle pour éloigner les moustiques et autres invités non désirés !

Vous pouvez retrouver tous mes articles déco et lifestyle par-ici. Belle visite à vous 🙂

Le Parc Güell et ses surprises…

Je vous invite aujourd’hui à découvrir, re-découvrir ou visiter, en photos et en mots le magnifique et original parc Güell de Barcelone qui a réalisé à Barcelone de 1900 à 1914 par l’architecte catalan Antoni Gaudi. Chaque année, ce bijou inscrit au patrimoine mondial de l’UNESCO attire des millions de touristes. Petit conseil concernant l’achat de billets pour la visite du parc, n’hésitez pas à passer par ces nombreux systèmes de réservation en ligne  proposant des billets pour le parc Güell qui vous permettront d’éviter les files d’attente et de profiter d’un visite guidée. Vous pouvez également retrouver d’autres visites de parcs de Barcelone tel que le parc de la Ciutadella ou encore les superbes jardins Laribal à Montjuic.

Petit tour historique du parc…

En 1900, Eusebi Güell, richissime industriel catalan devenu Comte de Güell en 1908, confia à Gaudi un projet d’urbanisation pour les familles aisées. Il avait acquis une vaste propriété dans un coin féerique de la ville connu sous le nom de Muntanya Pelada, la montagne pelée en français. Au départ, il était question de construire une ville-jardin avec des pavillons de conciergerie, un marché, une école, soixante maisons et une chapelle.

Un projet finalement inachevé…

Le projet originel du parc n’ira malheureusement pas jusqu’au bout. Les bourgeois considèrent son quartier trop éloigné du centre-ville et peu urbanisé. À la fin des travaux en 1914, seules deux des soixante maisons prévues sont achevées. Le 26 mai 1922, en session plénière, la mairie de Barcelone conclut l’achat du parc et en 1926, ce dernier est ouvert en tant que parc municipal.

Une architecture unique et surprenante

Le parc Güell est situé dans une région tout à fait paradisiaque, avec de magnifiques vues sur la mer et sur la plaine de Barcelone. Même si on a le choix entre plusieurs entrées, depuis la rue d’Olot au sud, l’entrée principale, majestueuse, s’ouvre aux deux impressionnants pavillons de conciergerie. Une fois cette étape franchie, la suite offre aux curieux une pure délectation des sens: entre l’Escalier du fameux Dragon devenu l’image la plus populaire du parc, la Salle Hypostyle et ses 86 colonnes striées, le Théâtre Grec rebaptisé Place de la Nature ou les incroyables Jardins d’Autriche, sans parler de ses chemins de promenade ondulant, ses feuilles de palmiers taillées dans des portails en fer forgé et des centaines d’autres symboles et couleurs, ce parc n’aura jamais fini de surprendre les nombreux visiteurs venant des quatre coins du globe !

Jacques Heim en mots et dessins blancs et noirs…

Mode, parfums, magazine, président de la chambre syndicale de la couture parisienne : je vous propose aujourd’hui un article consacré à un grand monsieur couturier français, Monsieur Jacques Heim. Ce dernier a été également costumier pour le théâtre et pour le cinéma et ses influences artistiques se reflètent à travers ses magnifiques créations. Découverte biographique, artistique et mode de son univers…

Jacques Heim et la fourrure

Les parents de Jacques Heim étaient des fourreurs qui avaient ouvert un atelier de fourrures à Paris en 1898. Jacques Heim a donc grandi entouré de fourrures, de mode et de créations et il s’en est beaucoup inspiré pour créer ses robes et manteaux. Sa ligne « Haute Fourrure » a d’ailleurs participé à sa grande renommée : Chanel ou Poiret lui ont confié certaines créations de leur collection. Le « lapin Heim » était une référence à cette époque.

C’est en 1930 que l’atelier de fourrures Heim devient la maison de couture Jacques Heim. Les créations de Jacques Heim se caractérisent alors par un classicisme et un sens pointu des proportions qui traduisent la mode de l’époque avec une simplification des formes et un déploiement de nouvelles matières.

Précurseur dans la mode

Mêlant art et mode, il a travaillé avec l’artiste peintre Sonia Delaunay pour créer de nombreuses tenues aux influences artistiques colorées, notamment en 1925, année durant laquelle Sonia Delaunay et Jacques Heim participent à l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes à Paris et proposent une nouvelle vision du vêtement qui mêle peinture et créations textiles. Leur « boutique simultanée » propose des créations qui marient couleurs et imprimés géométriques, novateurs pour l’époque. Ce sont de véritables « tableaux textiles » qu’ils ont façonné !

Précurseur dans le milieu de la mode, Jacques Heim créa en 1932 « Atome », un maillot de bain deux pièces qui est en réalité l’ancêtre du bikini. Malgré le peu de succès reçu car les dames de l’époque ne sont pas encore prêtes à dévoiler autant leur corps, ce maillot de bain au soutien-gorge à volants et avec sa culotte bouffante inspirera les premiers bikinis.

Il fait une part belle au coton pour les créations de sa collection printemps-été 1934, une matière tout à fait inhabituelle pour les collections de haute-couture, pour l’époque. En effet, la soie, l’organdi ou la mousseline étaient préférées au coton.

En 1937, sa collection « Spécial Eté » apparaît comme une révolution dans le monde de la mode et entraîne la création d’un département « Heim Jeunes Filles » au sein de sa maison de couture. Caractérisée par des créations fraîches et simples destinées aux jeunes filles, cette collection met en lumière le prêt-à-porter de luxe, version Jacques Heim. Soie, dentelles, matières souples et agréables à porter, la collection marient romantisme et légèreté, telle une belle métaphore de la jeunesse…

Développement du prêt-à-porter

Jacques Heim préside la Chambre syndicale de la couture parisienne de 1957 à 1962 et amorce la période de transition entre un certain déclin de la haute-couture qui annonce l’avènement du prêt-à-porter dans le monde de la mode. Ses créations illustrent d’ailleurs ce changement dans la mode avec des collections moins coûteuses que les collections haute-couture. Il est alors possible de parler de prêt-à-porter de luxe avec ses collections « Heim Jeunes Filles » ou encore « Jacques Heim Actualité ».

Il rassemble également des créateurs, tels Lanvin, Nina Ricci ou encore Carven, pour fonder un groupe qui développe le prêt-à-porter et la création afin de faire un peu plus de lumière sur les créations de prêt-à-porter, qui n’aura de cesse de se développer par la suite… Jacques Heim était donc, en avance sur son temps, un couturier et artiste qui a permis à la mode de se démocratiser, pour notre plus grand bonheur !

Vous pouvez retrouver tous les magnifiques dessins de Jacques Heim par ici et vous pouvez retrouver mes autres articles sur les croquis de mode ici ou encore avec cet article sur les magnifiques dessins de mode de Marc Bohan.

Rencontres artistiques naturelles…

Aujourd’hui je rends hommage aux fleurs, à la nature et à l’art. J’ai déjà eu l’occasion de vous parler de nature et décoration au cours de cet article. Je me plais donc à lui rendre de nouveau hommage mais en attachant plus d’importance à ces artistes qui savent la mettre en valeur tout en sachant développer et magnifier leur imagination et leur création. Invitation à un voyage dans un monde fleuri et artistique…

Végétal, animal et création

Les magnifiques créations de Noreen Loh Hui Miun m’ont impressionné, de part leur histoire, leur création et leur originalité. Cette collection de sculptures sous verre s’appelle « The Marriage », un mariage entre des matières naturelles et de la création artistique, un mariage entre fiction et réalité, un mariage entre des espèces végétales et du papier – qui provient également d’une source végétale, mais transformée. Cette série de sculptures en fleurs artisanales reflètent, tel un miroir, les origines du monde et prouvent également sa versatilité : la nature peut tellement se retrouver rapidement « enfermée dans un bocal… »

Les créations sculpturales de cette artiste malaisienne sont de toute beauté et mettent en lumière une fragilité et une esthétique particulière. En effet, ses créations florales marient des végétaux séchés (branches, mousse, feuilles) avec des pétales coupées colorées qui rappellent les écailles d’animaux. Noreen Loh Hui Miun crée donc un monde particulier où couleurs, légèreté et fiction se mêlent afin de faire voyager la personne dans un monde où végétal, animal, imagination et création ne font qu’un.

Sculpture, porcelaine et fleurs

Je vous propose maintenant un voyage à travers les détails, la délicatesse et la finesse grâce aux œuvres époustouflantes de l’artiste japonaise Hitomi Hosono. Ces créations font référence aux formes botaniques de tradition anglaise mariées aux plantes délicates japonaises. Hitomi Hosono crée ses sculptures en porcelaine beige, noire ou avec peu de couleurs, elle reste dans les camaïeux de couleur monochrome.

Ses sculptures florales sont de véritables bijoux de finesse et de délicatesse. Elle travaille avec une méthode de superposition afin d’apporter du relief et du volume à ces fleurs qui semblent avoir été figées dans le temps, suite à un écoulement de… porcelaine. Ces fleurs se métamorphosent alors en œuvre d’art à admirer ou à effleurer dans votre intérieur, pour l’éternité.

Les forêts artistiques colorées d’Hermès

Je termine cet article avec les magnifiques forêts « Forest Folks »en papier créées par un duo d’artistes français surnommés Zim & Zou. Lucie Thomas et Thibault Zimmermann ont façonné ces magnifiques décors artistiques en papier pour l’ouverture d’une boutique Hermès à Dubaï. Leurs créations féériques nous transportent dans un monde coloré et pétillant qui rend hommage à la nature.

Ces artistes se sont inspirés de la nature et de son évolution afin de créer un univers où êtres vivantes et nature se complètent dans leur mystère, dans leur beauté et dans leur exception. Ces œuvres qui détaillent de manière microscopique la nature et ces petits êtres nous font porter attention, le temps d’un moment, aux ressources de la nature, sa beauté et ce qu’elle peut inspirer…

Beautés sculpturales…

Après une petite pause littéraire, je suis de retour afin de vous souhaiter une merveilleuse année 2017 avec beaucoup de nouveautés, de sérénité, de paix et d’amour. Afin de commencer l’année en beauté et en art, j’ai décidé de vous présenter aujourd’hui des créations sculpturales de toute beauté !

Sculptures de lumière

J’ai découvert la marque Papier à êtres qui est un projet magnifique qui unit art, lumière et sculpture pour créer des pièces uniques incroyables. Ce projet Papier à être est né d’un duo franco-canadien entre Sophie Mouton-Perrat et Frédéric Guibrunet. Ces deux artistes designers subliment le papier, à travers la lumière, afin de créer des sculptures lumineuses avec du papier mâché.

Chacun de leur « êtres de lumière » mettent en exergue des jeux magnifiques d’ombres et de lumières afin d’habiller votre intérieur de façon tout à fait originale. La lumière permet de dévoiler les détails de chaque sculpture afin d’illustrer la grâce et la délicatesse de femmes et enfants, notamment. C’est Sophie Mouton-Perrat qui crée et façonne ces personnages et ces créations de lumière, accompagnée de Frédéric Guibrunet qui met en place l’éclairage et apporte également de la vie et du mouvement à ces êtres lumineux. Transparence, pliage, luminosité : leurs magnifiques sculptures transmettent des émotions qui sauront illuminer vos journées…

Sculptures alimentaires

Après avoir laissé place à la lumière, je m’intéresse maintenant aux originales sculptures du japonais Tary qui est spécialisé dans les sculptures en Lego ! Culture pop, vie quotidienne, voyages : ses créations colorées et amusantes donnent bien envie de les manger, tellement elles semblent appétissantes… quoique très dures !

Fruits et légumes, pizza, bento, hot dog : ses œuvres sculpturales donnent bien envie de les savourer avec leurs couleurs alléchantes et leurs formes surréalistes. Tary crée également des animaux, vous pouvez retrouver toutes ses créations originales par ici !

Sculptures animales

L’entreprise espagnole LZF Lamps a créé ces magnifiques sculptures en bois qui jouent également avec les ombres et les lumières qui mettent en exergue des pièces artistiques envoûtantes. Cette collection de sculptures animales a été pensée et fondée par Mariví Calvo et Sandro Tothill.

Leur collection Life-Size leur a également permis d’innover avec des artistes et artisans pour créer ces superbes œuvres d’art. Cette collection permet d’explorer la diffusion de la lumière avec un chevauchement de pièces en bois. Tous ces morceaux de bois dansent donc avec la lumière afin de pouvoir « donner vie » à ces sculptures majestueuses.

Retrouvez d’autres articles sur des sculptures notamment avec les magnifiques chapeaux-sculptures de Maiko Takeda ou encore les superbes sculptures naturelles déco de ces artistes.

La Slow Fashion de la marque espagnole Verdugo

Je vous propose aujourd’hui de découvrir une marque espagnole, éco-responsable, artistique et minimaliste. Les créations de Lourdes Verdugo m’inspirent l’envie de me lover dedans, chaque pièce est synonyme de confort, de beauté et d’élégance. J’ai déjà évoqué la mode responsable ici ou en vous parlant également du livre The responsible fashion company, ou enfin en vous présentant la marque Jamini ou le projet Awanga

Origines de la marque Verdugo

Ce projet de mode est né à Barcelone en 2013 pour répondre et innover aux nouveaux besoins de suivre une mode responsable, respectueuse et moins dans la consommation. Le nom de la marque provient du patronyme de Lourdes, la designer et directrice artistique.

Après avoir fait des études de psychologie, elle a étudié la mode et a décidé de se consacrer à son rêve : être la créatrice artistique de sa propre marque. Lourdes souhaitait donc créer une marque qui soit actrice du slow fashion. Fonctionnelles, commodes et intemporelles : les créations Verdugo incarnent l’esthétique parfaite et naturelle de la mode responsable moderne et tendance.

Créations inspirées par la nature

Swell, Boat, Asanas, Wasi-Sabi, Off the Grid : Lourdes Verdugo puisent ses sources d’inspiration dans la nature pour ses différentes collections. Mer, forêt, dunes, centre de méditation, bois : chacune de ses collections invitent à un arrêt temporel pour se recentrer sur cette nature qui nous entoure, pour se recentrer sur soi-même, explorer, s’explorer pour donner un nouveau sens au vêtement, au temps, à la vie ?….

Ses productions mêlent design contemporain avec une production locale artisanale afin de pouvoir promouvoir cette slow fashion qui respecte le temps afin de pouvoir créer une belle pièce.

Off The Grid : collection hiver 2017

Lors de cet article, je vous invite à découvrir la dernière collection de Lourdes qui s’est inspirée de la forêt et de ses émotions afin de créer une collection apaisante, confortable, chaleureuse et raffinée. Ses pièces appellent au calme, au repos et à l’apaisement qu’il est possible de retrouver en plein milieu de la forêt.

Je suis une fan inconditionnelle de ses body qui sont de véritables beautés textiles d’une élégance et classe incroyables ! Ses pièces ont des finitions parfaites, la qualité des tissus utilisée n’est pas à démontrer : en plus d’un magnifique vêtement c’est une philosophie de vie que nous enseigne la marque Verdugo, un style de vie, une attitude

L’élégance dessinée de Marc Bohan pour Dior

Je vous propose aujourd’hui un article qui parle d’élégance, de style, d’histoire et de mode ! Je vous avais déjà parlé de la mode et des croquis et notamment de mon ami Stanislas Jung qui les collectionne et les vend grâce au cabinet d’art qu’il a crée. C’est d’ailleurs grâce à lui que je peux vous présenter aujourd’hui ces dessins de toute beauté. Voyage dans l’univers du couturier français Marc Bohan à travers ses créations dessinées.

Marc Bohan, couturier chez Dior

Marc Bohan est un couturier français qui a dessiné et crée des tenues pour Dior pendant une trentaine d’années. C’est en 1957 que Marc Bohan intègre la maison Dior après avoir fondé sa propre maison de couture et avoir travaillé notamment pour la maison de couture Jean Patou. Créateur après la mort de Monsieur Dior, directeur artistique du prêt-à-porter, il remplace ensuite Yves Saint Laurent –alors parti en service militaire- en tant que directeur artistique de la haute couture.

C’est lui qui lance Baby Dior puis Christian Dior pour Monsieur : il sait parfaitement s’adapter aux nouvelles demandes des clients et aux évolutions de la mode, ce qui lui vaut deux Dés d’or (un en 1983 et un autre en 1988). Il quitte la maison Dior en 1989 pour laisser place à Gianfranco Ferré.

Les créations marquantes de Marc Bohan chez Dior

Il présente sa première collection griffée Dior en 1961 : Slim Look. En 1967, il dirige la ligne Miss Dior, première ligne Dior de prêt-à-porter. La même année Marc bohan lance la ligne Baby Dior, une ligne pour les enfants de 0 à 3 ans. C’est enfin en 1970 qu’il crée la ligne homme Christian Dior Monsieur, qui devient par la suite Dior Homme. Jackie Kennedy, Caroline et Stéphanie de Monaco, Isabelle Adjani, Brigitte Bardot, Maria Callas : de nombreuses femmes d’art et de pouvoir ont été habillées par Marc Bohan tout au long de sa carrière de couturier chez Dior.

Discret et talentueux, Marc Bohan dessine de magnifiques ensembles composés de couleurs sublimes que l’on peut percevoir à travers ses croquis. Son œil de coloriste hors-pair a su sublimer les femmes grâce à ses coupes parfaites et ses teintes Ses tailleurs épaulés des années 80 participent notamment à accentuer l’allure et la prestance féminine. Ses couleurs et ses coupes n’ont pas révolutionné l’histoire de la mode mais elles illustrent cependant parfaitement l’élégance, la beauté et le raffinement qui la caractérise…

Sélection dernière minute pour Noël !

Je vous propose aujourd’hui un article avec une sélection d’idées pour offrir à vos proches à Noël, pour ceux, comme moi, qui n’ont toujours pas fini toutes les emplettes ! Vous pouvez également retrouver d’autres idées de cadeaux en allant jeter un coup d’œil sur mes autres sélections de Noël que vous trouverez également par-ici.

Voyage en Inde avec les bijoux Louise Kopij

Inspirée la déesse indienne Shakti, la déesse indienne de la féminité, du maharaja, de la figure de la teinturière, ou encore de Kali, cette déesse mère qui tue pour protéger ses enfants, la collection de bijoux de Louise Kopij est tout simplement splendide. Tous ces bijoux sont entièrement créés à la main et de manière éco-responsable. Chaque élément en métal est mis en forme dans son atelier afin de fabriquer des bijoux uniques. Sa collection nous transporte ainsi dans l’univers indien, composé de déesses, dieux, de questions de genres, de castes. La collection de Louise Kopij met en lumière les dérives des industries de la mode à travers la figure de la teinturière, la religion ancrée avec les figures des déesses Shakti et Kali et enfin la question des genres avec la figure du maharaja qui devient une magnifique femme de pouvoir. Erotisme, mythologie, sensualité et beauté pure : les bijoux de Louise Kopij nous transportent dans un univers plein de saveurs envoûtantes.

La beauté minimaliste de la collection de NOTE

J’ai découvert cette marque Made in Barcelone lors d’un événement mode-art-design à la Casa Gràcia qui mettait en avant les créations barcelonaises. Femme urbaine contemporaine, elle se sait belle et aime s’habiller confortablement afin de faire écho à sa confiance en elle. Fondée en 2011 par Noam Blumenthal, Note – le nom de la marque – vient de l’expression anglaise « to notice », « to observe with care » ce qui signifie observer avec attention. Cette créatrice originaire de Tel Aviv a su créer de magnifiques pièces minimalistes qui savent être « notées » dans les yeux des passants qui les croisent.

Des murs d’idées qui incitent à penser en couleurs et en mots

Ce projet est une super idée pour pouvoir envoyer des faire-part originaux, photos souvenirs, magnet publicitaire, remerciements ou encore des bloc-notes. En effet, Julien, le créateur de Magnet Creation fabrique des magnets personnalisés que vous pouvez complétement customiser selon vos goûts et envies. Ces petits magnets se collent sur votre frigo, sur un tableau, où vous le souhaitez. Julien a également créé des tableaux magnets qui peuvent être accolés sur les murs afin de pouvoir laisser libre cours à votre imagination avec les mag’notes qui remplacent les post-it qui se perdent. Ces créations artisanales françaises sont l’atout décoration pour le quotidien à consommer sans modération avec des compliments, des petits mots et des sourires !

Un livre pour ne pas oublier et se cultiver

Comme si j’étais seul de Marco Magini, un magnifique livre qui raconte et déplore le conflit en Yougoslavie de 1995, notamment le massacre horrible de Srebrenica à travers 3 protagonistes totalement distinct. Ce roman est magnifiquement bien écrit et pour être honnête avec vous je l’ai lu d’une traite accompagnée d’une explosion d’émotions différentes. Ce roman a 3 voix (Dražen un soldat serbe, Romeo le magistrat du tribunal pénal international pour l’ex-Yougoslavie et Dirk le casque bleu néerlandais à Srebrenica) nous questionne sur la conscience humaine et la question de la justice dans un conflit où humanité et procédure semblent avoir laisser place à la cruauté…de l’humain ! Tout en finesse et en subtilité, Marco Magini nous entraîne dans la pensée de ce trio narratif pour tenter de pardonner à l’humanité un pan de l’histoire qu’elle a, elle-même, créé.

Une décoration de Noël originale et artisanale

Je vous propose de regarder la sélection de Noël proposée par interiortime avec leurs produits artisanaux barcelonais tels les Kokedamas avec de petits sapins adorables pour ajouter une touche naturelle et joyeuse dans votre intérieur. J’ai également craqué sur la lampe en lévitation pour coupler design, esthétique et modernité. Les têtes de chien en tissus me font toujours autant sourire et sont un cadeau original pour Noël, à n’en pas douter !

Bon shopping et belles fêtes de Noël à tous 🙂

Apprendre à écrire…

En calligraphie ! Quand l’entreprise Viking m’a proposé ce challenge pour apprendre à écrire, je n’ai pas très bien compris. J’ai eu la chance de suivre de nombreuses années d’études, de pouvoir écrire des centaines de dissertations, de poèmes, de rédactions et de commentaires de texte. La question de l’écriture me semblait donc un peu étrange. Cependant, après avoir pris connaissance du projet, celui-ci a retenu tout mon intérêt ! Il s’agit en effet de sensibiliser sur l’illettrisme pendant ce mois de Novembre, qui est le mois de la littérature, grâce à un kit de calligraphie qui contient un guide d’apprentissage, des parchemins pour écrire de belles lettres, des stylos à plume et stylos de calligraphie et 1 canevas qui m’a permis de faire une jolie création artistique.

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Quelques données sur l’illettrisme…

L’illettrisme touche encore, et malheureusement, plus de 2 500 000 personnes en France, âgées entre 18 et 65 ans, ce qui me semble totalement hallucinant ! Cependant, c’est malheureusement la réalité… Ainsi, Viking m’a proposé de tenter d’écrire avec un style calligraphique, comme le faisait nos ancêtres, qui avaient d’ailleurs peu la chance de savoir lire et écrire, et qui prenaient le temps d’écrire de manière incroyable.

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Ce challenge m’a totalement permis de me mettre dans la peau de quelqu’un qui apprenait à écrire car les techniques sont tellement différentes et difficiles qu’il m’a fallu de bonnes heures afin de comprendre à quoi correspondait chaque lettre et façon d’écrire, ensuite écrire avec le stylo à plumes approprié et enfin créer une phrase qui ressemble à quelque chose de lisible, plutôt qu’un fouillis de lettres entremêlées ! J’ai donc décidé de m’exercer et d’apprendre à écrire en mettant… en écriture des citations d’écrivains à propos de l’écriture. Ceci est ma façon à moi de comprendre et mettre en lumière à quel point l’écriture est importante dans la vie quotidienne de chacun.

L’art de la calligraphie

Ce challenge m’a également permis de redécouvrir la calligraphie, cet art d’écrire les lettres en traits séparés, en soulevant sa plume entre chaque trait. Je vous laisse donc imaginer la patience et l’adresse dont on a besoin afin de pouvoir écrire une phrase, contrairement au clavier d’ordinateur !

J’ai adoré redécouvrir l’écriture et apprendre à écrire en calligraphie. J’avais l’impression de me transporter dans différentes époques grâce aux différents designs de lettres qui vous transportent dans des pays et siècles différents. Ainsi, ma première citation de Jules Renard « Ecrire c’est une façon de parler sans être interrompu. » est « écrite » (j’ai, pour le moins, essayé) avec des lettres foundationals ou rondes. Ces lettres sont basées sur les lettres des manuscrits anglais du Xème siècle.

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Ma deuxième citation de Jules Barbey d’Aurevilly «  Ecrire est un apaisement de soi-même. » est écrite en lettres gothiques. Ce style gothique est utilisé pour les lettres des manuscrits rédigés en Europe du Nord entre le XIIIème et XVème siècle. Ce sont, de loin, les lettres les plus difficiles à écrire mais également les plus belles car elles ressemblent réellement à de petites œuvres d’art avec leurs losanges, ergots et lignes verticales.

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Ma troisième citation de Voltaire « L’écriture est la peinture de la voix. » est écrite en style italique, ces lettres, toujours autant connues, qui ont été développées en Italie par les humanistes des XIVèmes et XVème siècles.

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Enfin, ma quatrième citation de Louis Aragon, « Bien écrire, c’est comme marcher droit. » est écrite avec des lettres onciales. On retrouve ce style de lettres dans les manuscrits anglais de la fin du VIIème et début du VIIIème siècle.

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Enfin, pour le canevas, j’ai gardé la citation qui me semblait la plus appropriée pour ce beau projet qui m’a permis de redécouvrir le plaisir que j’ai à écrire à la main et qui m’a également donné de supers idées pour créer de belles cartes de Noël, par exemple, ou encore des invitations pour des anniversaires ou tout simplement une belle citation à encadrer. Car, au final, comme le disait si bien Flaubert, « Ecrire, c’est une manière de vivre. »

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L’art de prendre plaisir à contempler le temps

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Je vous propose aujourd’hui un article un peu particulier sur le temps, sa beauté et sa durée incarnées par les montres dont les cadrans s’avèrent être de véritables œuvres d’art. J’aime normalement parler du temps dans son aspect figé grâce aux œuvres artistiques photographiques mais cette fois-ci je me suis laissée emporter par ce temps qui passe et ne se laisse pas attendre. Je vous invite donc aujourd’hui à un voyage dans le temps en admirant ces magnifiques cadrans de montre qui sont l’illustration d’un art minutieux et précieux. Découverte à travers ces beautés d’un vrai métier d’art.

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La montre, ce garde-temps de collection

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Les montres sont de superbes garde-temps qui peuvent embellir votre poignet ou votre collier, et cela depuis de nombreuses époques. Cet art de l’horlogerie qui englobe la gravure, l’émaillage ou encore le sertissage m’a tout simplement subjugué. Ce travail minutieux est tout simplement incroyable et mérite un réel savoir-faire d’artiste. Les magnifiques cadrans dignes d’appellation d’œuvre d’art sont, bien entendus, créés pour des montres de haute horlogerie telle les montres Richard Mille réalisées par l’artiste street art Cyril Kongo ou encore les superbes montres Jaquet Droz ou Bovet, pour ne citer qu’elles.

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Cohérence, harmonie et esthétique : la « haute horlogerie » propose des bijoux pour orner les poignets, de toute beauté. Ces montres sont alors de véritables objets de collections qui peuvent être admirés et exposés tels des œuvres d’art. Leur prix reflète d’ailleurs parfaitement le fait que ces montres sont de véritables objets d’art et digne de pièce de collection.

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Le cadran, l’âme artistique de la montre

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Pour cet article concernant l’horlogerie et l’art, ou devrais-je plutôt dire l’art de l’horlogerie, je me suis attardée notamment sur les cadrans de montres qui sont de petits chefs d’œuvre artistiques et qui sont le visage illuminé et fantaisiste de chaque montre. C’est en effet le cadran de chaque montre qui illustre l’âme et l’identité de ce bijou. En effet, tout le mouvement de la montre découle de ce cadran qui est créé en fonction des mécanismes et rouages internes afin de penser un ensemble qui ne fait qu’un. C’est le mouvement du cadran et son dessin qui permettra de placer les aiguilles et les compteurs, entre autres.

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Le cadran est également le corps esthétique de la montre car il doit, à la fois, avoir une grande lisibilité et une harmonie parfaite avec l’ensemble de la montre, monture et bracelet compris. Je prendrai comme exemples non exhaustifs les montres de la collection Zodiaque de la marque Vacheron Constantin ou encore les montres de toute beauté de la collection Complications Poétiques de Van Cleef&Arpels. Le nom de cette dernière collection n’a d’ailleurs pas été choisi par hasard. En horlogerie, une complication est le « nom que l’on donne aux fonctions de la montre : phase de lune, alarme, chronomètre ou calendrier perpétuel en sont des exemples » comme expliqué par le site spécialisé dans les montres de luxe Chrono24. Je vous laisse donc imaginer l’art pointilleux des artisans qui fabriquent ces pièces d’art sur quelques centimètres carrés ! Raffinée, élégante et esthétique : la décoration de ces cadrans nous illustre parfaitement en quoi l’horlogerie est un art à part entière…

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