Invitation à un voyage lumineux avec Lagaartô

Je vous propose aujourd’hui la découverte d’une marque de foulards en soie naturelle et de sacs fabriqués avec des tissus 100% recyclable et made in France ! Je vous ai déjà présenté la marque de foulards Zabee ou encore les foulards ARTnomade mais aujourd’hui je m’attarde sur l’univers de Béatrice, la créatrice de cette jolie et toute jeune marque, Lagaartô qui a éte créée en novembre 2014.

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Une marque pétillante 100% naturelle

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Pour ceux et celles qui ont l’habitude de suivre mon blog ou pour les personnes qui le découvrent, je soutiens avec ferveur les jeunes créateurs et notamment les marques durables, naturelles et artisanales. Ainsi, c’est pour cette raison que je vous fait découvrir aujourd’hui Lagaartô qui est une marque française. La créatrice de cette marque s’est spécialisée dans les foulards en soie naturelle et les sacs créés avec des textiles recyclés. J’ai beaucoup aimé ce beau projet, respectueux de la nature et aux beautés multicolores. En effet, comme vous pouvez le voir sur les photos de cet article, les créations de Béatrice respirent le soleil, la bonne humeur et la positivité avec leurs couleurs lumineuses. Les créations Lagaartô sont imprimées avec des encres sans solvant afin d’avoir une fabrication totalement artisanale.

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Une authenticité chatoyante

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J’aime beaucoup les créations de Béatrice car elles vous font voyager dans un univers coloré chatoyant qui vous transporte dans les épices des souks ou les fêtes colorées en Inde ou tout simplement dans les pays du Sud aux mille luminosités et couleurs. Chacun de ses foulards ou de ses sacs apportent et emportent avec eux une joie de vivre communicative à travers le textile. Béatrice a choisi la soie naturelle en tant que matière principale pour ses créations. En effet, la résistante, la douceur, les reflets et l’aspect noble de cette matière l’a séduite pour créer ces petites oeuvres d’art textiles. Carrés, étoles, bracelets, sacs : l’aspect éthique et écologique de ses créations apporte un plus qui n’est pas à négliger et qui prouve bien que cette marque a de beaux jours devant elle en suivant l’air du temps et les nouvelles tendances de la mode verte et responsable !

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Voyage dans la tradition japonaise avec les kimonos Meng

Je vous propose aujourd’hui un voyage en Asie, et notamment dans la tradition japonaise revisitée par la marque loungewear Meng. Cette marque s’est spécialisée dans la création de magnifiques kimonos à porter chez soi pour recevoir tout en confort et en élégance.

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De l’art qui se porte

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J’ai découvert la marque Meng lors de la dernière fashion week de Londres et je me souviens m’être arrêtée afin de toucher l’étoffe soyeuse de ces kimonos qui appelait le regard et les mains. Meng redonne une nouvelle vie à ce vêtement traditionnel japonais en le replaçant dans le vestiaire quotidien féminin. En effet, ces kimonos luxueux peuvent être portés en ville, pendant la période estivale, ou chez soi pour se sentir toujours habillée et chic. De plus, le kimono descend d’un habit, appelé kosode, qui était utilisé comme sous-vêtement. Ainsi, Meng redonne de la noblesse au sous-vêtement ou vêtement d’intérieur avec ses kimonos qui semblent être de vraies œuvres d’art asiatiques portées. Délicatesse, douceur, finesse : les imprimés des kimonos rappellent les tableaux japonais aux fleurs colorées et fonds neutres. Ainsi, ces kimonos sont de véritables œuvres d’art textiles, florales et artistiques que chaque femme ne peut que se plaire à porter chez elle.

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Une ode aux fleurs

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Camaïeux de bleus, oranges, rouges, jaunes, verts, gris : les kimonos créés par Meng mettent en lumière la beauté de la nature asiatique et ses magnifiques couleurs. La palette colorée de cette collection de kimonos nous emmène dans des paysages japonais où règnent le calme et la sérénité. Cependant, les touches géométriques de chacune des créations de Meng apportent modernité et fraîcheur afin de ne pas tomber dans les clichés de la représentation de la culture asiatique. Celle-ci est en effet pleine de mystères à découvrir pour la culture occidentale et la créatrice se plaît à révéler cette tradition riche et profonde à travers ses kimonos. Glamour et grâce : chacune de ces pièces embellit le quotidien en y apportant une touche exotique et fraîche. Hiver comme été, la femme se fait fleur délicate enveloppée dans son kimono de soie fleurie.

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Run to the Sun avec la collection Louise de Testa

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Made in France et nouvelle créatrice au programme sur le blog aujourd’hui. Voici la marque éponyme de Louise de Testa, une marque reflétant l’élégance française et les enjeux modernes écologiques et responsables de la mode. Cette créatrice parisienne a fondé sa marque basée sur une production 100% française en 2011. Voici un aperçu de sa dernière collection Run to the Sun en images et en mots !

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Nouvelle esthétique : élégance, sportwear et éco-responsable

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Sa nouvelle collection Run to the Sun pour le printemps-été 2015 s’est inspirée du photographe français Jacques Henri Lartigue et des joueuses de tennis des années 30. Comme vous pouvez le voir à travers les photos qui illustrent cet article, les joueuses de tennis des années 30 et leur style sportwear chic sont à l’honneur pour cette collection estivale. Chaque création exprime l’élégance grâce à leur coupe parfaite. Entre tradition et modernité, la collection met en lumière des formes pures aux touches fantaisistes qui marient parfaitement le souvenir des joueuses de tennis des années 30 telle Suzan Lenglen ou la famille Lacoste avec la mode sportwear contemporaine. J’ai beaucoup aimé ce mariage qui souligne le fait que le sportwear a réellement sa place dans la mode de luxe, comme il est possible de le voir dans d’autres collections avec Fyodor Golan, Edel’ine L’ee ou Yulia Kondranina, pour ne citer qu’eux. Le sportwear haut-de-gamme de Louise de Testa se veut urbain tout en restant ancré dans la féminité et la classe.

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Marque de fabrique : patron zéro chute et éco-design

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Les créations de Louise expriment et illustrent les enjeux auxquels fait face la mode contemporaine. Ainsi, toutes ses collections sont créées à partir de chutes de tissus afin de ne gaspiller aucune matière précieuse pour laisser libre cours à son imagination. Ces patrons zéro chute sont éco-design et ont une architecture géométrique à bien étudier. La mode éco-responsable explore bien plus avant pour stimuler la création en imaginant des collections de mode couture tout en gaspillant le moins possible. Ainsi, ajout d’imprimés ou construction en 3D, les vêtements de Louise sont de véritables pièces d’architecture textile. Elle a d’ailleurs créé une robe chemise en maille 3D pour cette collection, ainsi qu’un trench au tissu rétro-réfléchissant. Savoir-faire et artisanat français, la mode de demain se veut définitivement plus responsable et durable sans oublier l’esthétique et l’innovation, Louise de Testa en est d’ailleurs la preuve textile… et vivante !

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Crédit Photos : Medhi Sef

Tigran Avetisyan : la collection-parfum

Petit voyage dans la mode masculine anglaise avec la marque Tigran Avetisyan. Londres continue de m’étonner avec sa mode et ses créateurs… Aujourd’hui voici une collection de pièces incarnant un parfum…

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Une collection parfumée

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Ce créateur russe a fait ses armes à Londres à  la Central Saint Martins avant de créer sa propre marque Tigran Avetisyan. J’ai beaucoup aimé le thème de cette collection pour le prochain printemps-été : le créateur s’est inspiré de l’idée de « cross-promotion » qui est souvent utilisée par les grandes maisons de couture afin de promouvoir leur parfum et avoir plus de ventes. Ainsi, Tigran a créé son propre parfum, appelé « Duty Free Pour Homme », pour promouvoir sa collection SS15. L’idée d’associer cette collection avec la création d’un parfum m’a semblé très originale et m’a beaucoup plu. De plus, la collection semble « incarner » la finesse et la grâce d’un parfum. En effet, cette collection a été créée avec des matériaux très légers et souples qui  m’ont rappelé les fragrances légères des parfums qui sont comme des voiles odorantes sur la peau. Vestes, pantalons, tee-shirt : toutes les pièces de la collection sont très aériennes et très douces et agréables au touché.

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La touche arty colorée

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Pour ceux qui sont habitués à lire les articles sur mon blog, vous avez du remarquer que je m’intéresse toujours aux collections s’inspirant d’art et notamment celles qui sont très colorées. Le créateur russe s’est inspirée de la technique du collage afin de créer cette collection ou chaque vêtement semble être une pièce qu’on peut « coller-ajouter » à la garde-robe. Les pièces s’empilent, se mixent, se mélangent afin de former une tenue très originale et pleine de fantaisie. Chaque vêtement de sa collection semble être une construction : construction de couleurs, construction de matières, construction de fragments de pièce afin de créer une œuvre d’art textile à la touche arty colorée…

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Crédit photos : Nadya Filatova

Palmer//Harding : entre force et vulnérabilité, découverte de leur univers mode

Je vous présente aujourd’hui ce jeune label de designer qui a été créé en septembre 2011 par Levi Palmer et Matthew Harding.  Leurs créations avaient retenu mon attention lors de la London Collection Men et c’est pour cette raison que j’ai décidé d’aller explorer leur univers avec vous aujourd’hui !

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Contrastes d’émotions, contrastes en créations

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Ce qui m’a beaucoup plu dans leurs créations, ce sont les superpositions et les différentes matières utilisées pour créer des vêtements qui intriguent, protègent, cachent et dévoilent.  Le thème de leur dernière collection pour le printemps-été 2015 exprime le contraste et la tension qui lient à la fois la force, la robustesse de la ville urbaine et la tendresse et fragilité d’un garçon tout juste sorti de l’univers scolaire.  En effet,  les créateurs Palmer//Harding se sont inspirés des uniformes scolaires anglais pour créer une collection qui racontent le contraste entre l’exploration du futur et de la vie adulte et l’aspect vintage et traditionnel de l’univers scolaire anglais. Cette collection met en scène ce contraste grâce aux mannequins choisis pour représenter celle-ci : jeunes aux bouilles d’adolescents, leurs vêtements-uniformes parlent pour eux et les emmènent, malgré eux, vers leur vie d’adulte. L’uniforme revisité est alors une voie qui illustre la nostalgie des années d’enfance et adolescence et donne un nouveau sens contemporain à l’âge adulte qui les attend.

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Une réinterprétation du passage à l’âge adulte

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Ce contraste est illustré à travers la juxtaposition de formes, de matières, de couleurs qui réinterprètent l’uniforme  masculin pour lui apporter une touche moderne.  J’ai énormément aimé cette inspiration mode pour la collection. Le passage à l’âge adulte est un moment souvent difficile et effrayant pour la plupart d’entre nous et j’ai trouvé très intéressant et fin de travailler sur ce moment de vie qui a tellement de choses à raconter. Ce sentiment d’être entre deux mondes a été traduit par les formes dépareillées des vêtements qui sont comme des métaphores des bribes du passé et des « couches » de vie amassées par les années scolaires et de l’enfance. Une « seconde  peau » apparait en dessous, celle-ci représentant l’âge adulte et la nouveauté. Les imprimés de ces créations streetwear aux tons orangés, bleus, verts, beiges s’inspirent des publicités, panneaux d’affichage et posters de la ville urbaine. Les créations Palmer//Harding reflètent la protection grâce à leurs matières souples et confortables tout en exprimant la force de la jungle urbaine avec ces imprimés et ces formes streetwear. Entre robustesse, force et tendresse se dessine une masculinité moderne dont le cœur balance toujours entre l’adolescent et l’adulte…

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Yulia Kondranina et son exploration originale de la féminité

Je vous présente aujourd’hui une créatrice qui nous vient de Moscou et qui crée des vêtements qui mêle sportwear, architecture, féminité et artisanat. Cette combinaison d’éléments m’ont beaucoup plu à travers ses créations et c’est pour cette raison que je vous présente une de ses collections aujourd’hui !

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Du sportwear à la féminité…

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La collection de Yulia Kondranina met en lumière une femme moderne qui souhaite se sentir à l’aise dans ses vêtements pour partir à la conquête du monde. Rien ne lui fait peur et elle sait mêler féminité et confort pour un style élégant. Malgré l’aspect très sportwear de la collection, la féminité est clairement mise en lumière dans les vêtements de la créatrice. Elle explore la féminité d’un point de vue qui m’a interpellé : le vêtement construit et déconstruit la féminité à travers ses formes. Epaules, jambes, bras : certains vêtements cachent, d’autres montrent pour éclairer ou cacher une féminité qui joue. La féminité est retravaillée pour laisser découvrir une femme qui illumine avec ses couleurs, qui cache avec les matières et formes de ses vêtements ou qui donne à voir avec une épaule ou une jambe dénudée. Cette collection présente donc une féminité moderne qui aime l’élégance, le confortable et qui aime transgresser les lois classiques en imposant un style sportwear, qui lui va à merveilles !

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Et le vêtement se fit maison corporelle

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J’ai beaucoup aimé l’inspiration architecturale et design qui se retrouve dans les créations de Yulia Kondranina. En effet, il semble que le vêtement soit une maison pour le corps de la femme. Il est construit pour laisser entrevoir des parties de son corps ou pour les cacher : le travail sur la coupe de chaque vêtement est comme une exploration de la féminité à travers les formes. Le corps se construit dans le vêtement qui se fait maison pour un corps en évolution. Le vêtement protège (comme les murs ou le toit) ou ouvre (comme les fenêtres ou les portes) vers une féminité qui a laissé tomber le côté ennuyant de la 2D pour une silhouette en 3D. Les formes 3D semblent être à l’honneur des dernières collections mode comme on a pu le voir chez Liz Black ou Paper London. Les créations de Yulia Kondranina sont un équilibre parfait entre art, créativité et les besoins d’une femme moderne.

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Paper London et sa collection aérienne pour l’été 2014 !

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Je vous fais découvrir aujourd’hui la marque Paper London avec ses formes aériennes et ses mouvements 3D pour un été en toute légèreté ! J’ai beaucoup aimé l’idée de ses créatrices, Kelly Townsend et Philippa Tackeray, qui souhaitait créer une collection qui lie design, architecture, mouvement et légèreté. Malgré l’aspect imposant des vêtements, ils sont en réalité très légers pour un été aérien !

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Les créations de ces designers m’ont fait penser à des voiles bombées qui permettraient à chaque femme de s’envoler. Leurs robes sont très légères (j’ai eu l’occasion de tester la matière lors de la Fashion Week de Londres) et je peux vous assurer que ces robes sont parfaites pour la saison du soleil et des hautes températures! L’originalité de la matière et des formes 3D des vêtements de cette marque ont tout de suite attiré et retenu mon attention : la femme semble être aspirée par le vêtement qui tourbillonne autour d’elle… L’effet est très artistique et cette tenue est, pour sûr, une tenue qui ne passe pas inaperçue !

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Liz Black ou quand la mode rencontre la paranoïa de Dali…

Je vous parle aujourd’hui d’une créatrice dont le travail artistique m’impressionne. Elle s’appelle Liz Black et sa collection automne-hiver 2014 est une rétrospective de l’art de Dali à travers les vêtements. Elle a vraiment su recréer l’univers magique et psychédélique de cet artiste espagnol.

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Voyage dans un monde surréaliste

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Liz Black a su interpréter et faire revivre à travers ses vêtements l’univers surréaliste du peintre Dali. Ainsi, on peut retrouver les lèvres rouges, le téléphone, le homard, les fourmis et les fameuses moustaches de Dali dans les créations de Liz. J’ai beaucoup aimé comment cette créatrice a su mettre en lumière le travail artistique de ce peintre à travers ses vêtements. Ses vêtements m’ont interpellé avec leur touche fantaisiste. Chacun d’eux vous emmène dans une toile de Dali pour un voyage différent. Au lieu de voyager à travers la couleur et les touches de peinture, Liz vous fait voyager à travers les matières et les formes qu’elle a choisit pour illustrer les thèmes récurrents du peintre. Le surréalisme interprété à travers la mode cela donne une combinaison inattendue de matières, de couleurs et de formes qui permettent à chaque vêtement de devenir une pièce unique, une pièce où le voyage est infini…

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Et le vêtement devint pièce artistique

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Ce qui m’a beaucoup plu dans les créations de Liz Black, ce sont leur particularité unique. En plus de s’inspirer du peintre Dali, chaque pièce est en elle-même une invitation au voyage dans un monde différent et irréel. Fantaisie, paranoïa, surréalisme, vous l’appellerez comme vous le souhaitez mais le monde artistique de Liz Black nous transporte dans une mode qui se situe entre le conventionnel et l’expérimental. Elle utilise le 3D pour mettre en forme et donner du volume à ses créations. Ainsi, on peut avoir l’impression que les femmes se soulèvent dans leur robe, ou que les moustaches sont comme des protections pour avoir son espace pour évoluer dans l’espace. Son art textile abstrait a aussi sa touche de féminité : sa collection demeure délicate grâce aux matières qu’elle utilise. Soie, coton, crêpe, organza se marient parfaitement avec le cuir pour un effet fun et sexy. Les créations de Liz Black sont clairement une illustration de l’art iconique à travers le vêtement, Dali a de beaux jours devant lui dans le monde de la mode !

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Vinti Andrews ou la joie du streetwear londonien

Je vous parle aujourd’hui d’une marque londonienne que j’avais repérée en visitant les showrooms de la London Collection Men. Cette marque avait tout de suite attiré mon attention grâce à ces vêtements aux formes si particulières et à ses camaieux de noir imprégnés de couleurs. J’avais l’impression de me retrouver face à l’art de la rue. marque-vinti-andrews-londres

Voyage à travers le street art

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Les motifs ethniques de Vinti Andrews m’ont transporté dans la folie urbaine. Cette marque est une collaboration entre deux designers : Vinti Tan et Paul Andrews. Les designers ont vraiment su interpréter et recréer la vivacité et l’énergie londonienne à travers ces imprimés. Underground et portée par les souterrains du milieu de la musique électro, la collection automne-hiver 2014 de Vinti Andrews nous fait traverser le milieu de la musique électronique londonienne. Psychédélique, magique, ethnique : nous pouvons ressentir les vibrations et les sons qui nous transportent dans un univers rythmé. Cette marque londonienne nous promène dans une atmosphère hivernale très chill où les touches de couleurs sont les petits rayons de soleil pétillants pour briser la noirceur et la grisaille hivernale.

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Redécouverte du noir

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La couleur qui est reine dans cette collection demeure le noir. Malgré les touches de couleurs et les lumières de folies ethniques la designer a su revisiter le noir à travers les formes de ses créations. Velour, cuir, polyester : les différentes textures transportent dans le monde du moto cross d’Amérique du Nord ou du Canada. Cette inspiration sportive fait écho à la tendance streetwear vue sur les podiums pour l’hiver prochain. L’aspect débridé et négligé des vêtements est une allusion à la métamorphose d’un vêtement. De débris de tissus, chaque vêtement se construit pour devenir une création unique pour la personne qui le portera. Sportif, futuriste, conceptuel : le vêtement devient objet de création et d’inspiration pour laisser libre cours à son point de vue sur la mode aujourd’hui. Tissus deviendra vêtement qui deviendra création et qui sera certainement porté sur les podiums dans peu de temps. Vinti Andrews a de beaux jours streetwear devant elle !

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Maison Twenty : la marque où mode et art se rencontrent

Aujourd’hui, je vous fait découvrir la marque Maison 20. C’est une marque que j’avais repéré lors de la London Collection Men à Londres en janvier. J’avais beaucoup apprécié cette marque pour ces créations qui mêlaient créations artistiques et mode. Elle était donc la marque « parfaite » pour un sujet d’article pour mon blog. Je vous avais déjà parlé du même style de marque avec la marque américaine Aplomb dans cet article.

Maison Twenty

La parole est aux artistes

Maison Twenty a été créée en 2012 par Dannielle Hodson et Kevin Dixil. Ils ont décidé de mettre en avant les designers et les créateurs UK à travers des collections qui mélangent mode et art. Chaque vêtement de la marque 20 devient une toile de création et d’inspiration pour l’artiste qui doit customiser le vêtement. Ainsi, la marque Twenty donne la parole aux artistes en leur donnant l’occasion de pouvoir  s’exprimer à travers le vêtement. J’ai beaucoup aimé cette démarche : Maison Twenty est vraiment un bel exemple de croisement des disciplines et d’échange d’inspiration artistique. L’art et la mode ont toujours fait bon ménage mais le fait de donner la possibilité à des artistes et des designers en herbe de s’exprimer est tout simplement génial !

Maison 20

Couleurs, originalité, nouveauté 

Le résultat de cette initiative ? Des vêtements qui vivent ! Chaque collection est source de nouvelles idées, de nouveautés artistiques. J’ai notamment repéré certaines pièces des collections créées par Andrew Salgado, Kate-Richard Zarzi, Rowan Newton ou Dannielle Hodson elle-même et j’ai aimé la façon dont les vêtements racontent une histoire. Ils racontent chacun à leur façon l’histoire de notre société, l’histoire de notre quotidien. Entre street art, couleurs joyeuses et rieuses et visages inquiets, épanouis : chacun donne la vision qu’il souhaite à son vêtement. Aucune règle n’est à suivre, création et expression sont le maître mot…

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